DAS TRIPAS MÚSICA

200 Álbuns Essenciais - Álbum 005

2007-11-30T15:20:00.001-02:00

200 Álbuns Essenciais - Álbum 004

2007-11-28T21:40:00.000-02:00

200 Álbuns Essenciais - Álbum 003

2007-11-27T15:59:00.000-02:00

RÁDIO ROCK!!! EM BREVE!!!

2007-11-27T07:31:00.000-02:00

Em breve, estarei reativando a Rádio Rock. Aguardem!!!

Abraço
Alexandre

200 Álbuns Essenciais - Álbum 002

2007-11-25T15:14:00.001-02:00

200 Álbuns Essenciais - Álbum 001

2007-11-24T16:14:00.001-02:00

200 Álbuns Essenciais

2007-11-24T16:04:00.001-02:00

Caros Amigos,

depois de uma grande ausência, estou reativando este blog. Recentemente, terminei a leitura do - essencial - livro “1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer”, de Robert Demetry. Ali, o autor faz uma compilação, ao longo de mais de 950 páginas, de textos de 90 críticos musicais, que elegem os tais 1001 discos essenciais de suas vidas. E isso em um baita livro, com uma porção de fotos, tudo impresso em um papel de excelente qualidade. Assim, resolvi elencar, a partir do que li, a partir do que eu tenho, a partir do meu gosto, 200 álbuns que considero essenciais para a vida de qualquer ser humano. Discos que necessariamente DEVEM ser ouvidos por todos. Discos que, com certeza, tornam nossas vidas um pouco melhores. Dessa forma, estarei disponibilizando aqui neste blog algumas informações referentes a esses álbuns, que serão apresentados em ordem cronológica. Originalmente, a idéia era escolher 100 discos, porém não foi possível ficar apenas nesse total tal a quantidade e diversidade de álbuns existentes. Tanto assim que em um primeiro momento eu havia separado exatamente 300 discos. Segundo alguns critérios (na maioria subjetivos) terminei por desconsiderar 100 (alguns com dor na consciência) para deixar “apenas” 200 discos. Muitos deles são conhecidos pela grande maioria que curte música, outros nem tanto. Porém, com isso tudo, espero colaborar para a divulgação da boa música, para que mais e mais gente possa conhecer bandas, cantores(as), canções, álbuns, que, como eu disse, são itens necessários para todos os que apreciam a boa música.

Abraço

Alexandre

Pelo visto o Ira! (infelizmente) já era...

2007-09-12T20:13:00.000-03:00

UOL - 11/09/2007 - 21h26

Após briga com irmão-empresário, Nasi diz que é "insustentável" ficar no Ira!

GUSTAVO MARTINS
Colaboração para o UOL

O vocalista Nasi, do grupo de rock paulistano Ira!, declarou nesta terça-feira (11) que "não há mais condições psicológicas de continuar na banda". Falando ao UOL por telefone, ao lado de seu advogado, o músico afirmou que a situação do grupo se tornou "insustentável" após o empresário da banda, Airton Valadão Rodolfo Júnior, que é também irmão de Nasi, tê-lo agredido na casa do cantor, armado de uma faca, na manhã do último sábado (8).A agressão teria ocorrido porque Nasi pediu ao empresário a prestação de contas de todos os shows do o Ira! desde o lançamento do disco "Acústico MTV", em 2004 - cerca de 250 apresentações, de acordo com o cantor. Não atendido, Nasi teria se recusado a participar do show da banda em Campestre (MG) realizado no sábado passado, o que teria provocado a atitude Airton Júnior. Ainda segundo a versão de Nasi, após ter invadido sua casa, o empresário se dirigiu por volta das 18h ao 51º Distrito Policial de São Paulo para registrar um boletim de ocorrência na condição de vítima, acusando o vocalista de tê-lo agredido sob efeito de entorpecentes.Na segunda-feira (10), Nasi também registrou um boletim de ocorrência na mesma delegacia. O advogado e o cantor afirmam ter provas materiais e testemunhas para sustentar todas as acusações contra Airton Júnior, inclusive gravações telefônicas do empresário pedindo perdão.A Agência Produtora, que empresaria os shows do Ira! e tem como sócios Airton Valadão e seu advogado, confirma que houve uma altercação entre o empresário e Nasi, mas afirmou em nota que "é lamentável que determinadas situações tenham tomado tamanha proporção e desvios de sua integridade e veracidade". Por meio de sua assessoria, a empresa afirma que não vai se manifestar novamente sobre a situação, mas que tem documentos para sua defesa em uma eventual disputa judicial.A tensão entre Nasi e a banda aumentou após o guitarrista Edgard Scandurra ter dito ao microfone, no início do show de sábado, que Nasi não poderia comparecer por ter "passado mal e estar hospitalizado". O advogado de Nasi, Octavio César Ramos, divulgou uma nota de repúdio à afirmação, que considerou "caluniosa". "Eu simplesmente não quis expor a situação [do que teria acontecido com Nasi] na frente do público", afirma o guitarrista, que se recusou a fazer outros comentários.Nasi também acusa o irmão e empresário de ter registrado para si o nome "Ira!" sem seu consentimento, motivo pelo qual vai entrar com uma ação civil contra a Agência Produtora, além dos citados processos referentes à prestação de contas de shows à suposta agressão. De acordo com o advogado Octavio Ramos, as notificações serão entregues amanhã. A Agência Produtora não quis comentar.O vocalista não poupou os outros integrantes da banda, que segundo ele eram "coniventes" com Airton Júnior. "Apenas o [Ricardo] Gaspa estava de fora, ele foi induzido ao erro, mas também pediu a prestação de contas", afirmou Nasi. Em entrevista à revista "Flash" que chega às bancas nesta quarta-feira (12), o cantor chama Edgard Scandurra de um "canalha" que "vive agindo como uma Greta Garbo, exercitando seu poder para intimidar os outros", e seu irmão de "lixo humano". "A verdade é uma só: eu tentei pedir um ano de férias para que a banda sobrevivesse, mas o [Airton] Júnior me isolou na banda, colocando um músico contra o outro. Foi a mesma coisa que aconteceu com os Raimundos, que não por acaso eram empresariados pelo Júnior na época", disse Nasi ao telefone.O vocalista descarta qualquer possibilidade de voltar ao Ira! enquanto Airton Júnior for o empresário. A Agência Produtora, por sua vez, afirma que pretende reunir seus sócios e os músicos para decidir o futuro do grupo, "tão logo for possível". Sobre a possibilidade de a banda continuar sem seu cantor, Nasi afirma: "Agora que eu descobri que registraram o nome do Ira! sem meu consentimento, vou tomar as medidas legais para que isso não aconteça".

2007-09-01T06:39:00.000-03:00

A formação original do Camisa de Vênus contava com Marcelo Nova (voz e guitarra), Gustavo Mullen (guitarra), Karl Hummel (guitarra), Robério Santana (baixo) e Aldo Machado (bateria). Vez por outra a banda se reúne, grava um álbum, se desmancha, e aí volta de novo, mas nunca mais com essa formação original, que rendeu 5 excelentes álbuns de rock and roll, a saber: Camisa de Vênus (1983), Batalhões de Estranhos (1984), Viva (1986), Correndo o Risco (1986) e Duplo Sentido (1987). Dentre esses, destaco Viva!, o terceiro - e essencial - disco dessa banda baiana, surgida em disco, em 1983, com o lp Camisa de Vênus. Ali já se podia notar a influência das bandas de hard rock dos anos 1970, bem como do rock “inocente” de Elvis Presley e Chuck Berry. Nesse álbum também já emergia o que seria uma marca registrada do grupo: as letras ácidas que criticavam os costumes pasteurizados da sociedade brasileira. A banda “estourou” nacionalmente em 1984 com o hit “Eu não matei Joana D’arc”, do lp Batalhão de Estranhos. A partir daí, o país ficou conhecendo o recado – invariavelmente explícito – de uma banda que ia na contramão da sonoridade baiana “exportada” naquele momento. Porém, em relação ao que interessa aqui, ou seja, o álbum Viva, há alguns aspectos curiosos que devem ser destacados: Gravado em 1986, no Caiçara Music Hall, em Santos, S.P., ele não foi mixado (prática incomum em discos ao vivo). O que se ouve é o que aconteceu, realmente. Assim, as letras desbocadas, os deboches, os palavrões emitidos pela platéia e pela banda estão ali, sem cortes. Tanto assim, que o encarte continha o aviso: “Este disco não foi remixado. Você ouve o que aconteceu no show. E OUÇA ALTO”. O álbum é composto por 10 faixas, com canções dos dois primeiros discos da banda, como “Eu não matei Joana D´Arc”, “Hoje”, “Bete Morreu”, e mais canções que eles jamais haviam gravado ou gravariam em lugar nenhum posteriormente como “Homem Forte”, “Solução Final” e “Rotina”. Ou seja, há músicas que só foram registradas naquele disco. O espírito punk rock impera ali em todas as faixas. E ao vivo! Destaco 3 faixas, urgentes para seus ouvidos: a impagável “Sílvia”, a versão sacana-tupiniquim para “My Way” e “O Adventista”, que fecha o disco, com Marcelo Nova rezando o Pai-Nosso ao final da canção. Mais punk, impossível. Com certeza, um dos discos - ainda na época do vinil - que eu mais ouvi na minha vida. Item urgente encontrado nas boas casas do ramo. Não percam de jeito nenhum. Rock and roll honesto, sincero e “sujo”. O que mais se pode querer?

"Viva" – RGE – 1986

Lado A
01 – Eu Não Matei Joana D´ARc
02 – Hoje
03 – Homem Forte
04 – Solução Final
05 - Rotina

Lado B
01 – My Way
02 – Beth Morreu
03 – Sílvia
04 – Metástase
05 – O Adventista

2007-08-05T06:51:00.000-03:00

SERVIÇO DE UTILIDADE PÚBLICA

Segue abaixo uma postagem copiada do Lágrima Psicodélica, extremamente importante para quem possui mp3 em seu PC.

"Este vírus, galera, é específico para MP3. Logo, a quem ele interessa?

Postagem: Johnny F

Verme apaga todos os MP3 do computador
Terça-feira, 31 de julho de 2007 - 13h15SÃO PAULO – Um verme especializado em apagar arquivos MP3. É o W32.Deletemusic, que afeta todas as versões ativas do Windows.Segundo a Symantec, o Deletemusic destrói, sem piedade, todos os arquivos MP3 encontrados no sistema. Quando executado, o invasor – que pode chegar, por exemplo, via e-mail – faz uma cópia do arquivo csrss.exe para todos os drives do computador, inclusive os removíveis, como pen drives.Em cada drive, o Deletemusic cria também um arquivo autorun.inf. Assim, sempre que a unidade é acessada, o invasor se reativa automaticamente. A instalação em drives removíveis constitui, obviamente, outra forma de propagação do verme.

Carlos Machado, da INFO"

2007-07-21T21:46:00.000-03:00

01.Chingon - Malaguena Salerosa

02.Banda Espuela de Oro - Que Arana Las Entrañas

03.Mano Negra - Mala Vida

04.Cafe Tacuba - Rarotonga

05.Marco Antonio Solis - Si No Te Hubieras Ido

06.Gustavo Santaolalla - Memorias

07.Attaque 77 - Soy Rebelde

08.Brian Setzer - Malaguena

09.Lole Y Manuel - Tu Mira (edit)

10.Banda Espuela de Oro - Dame El Poder

11.Calexico - Muleta

12.Santana feat. Jorge Moreno - Satellite (Spanish Version)

13.Tito Larriva & Steven Hufsteter - Flor de Mal

14.Moenia - Lado Animal

15.Las Ketchup - The Ketchup Song

16.Cafe Tacuba - Aviéntame

17.Tommy Guerreo - Tatanka

18.Victor Manuelle - Instinto Y Deseo

19.Migala - Tiempos de Desasttre

20.Pixies - Evil Hearted You

2007-07-21T06:35:00.000-03:00

BANDA: THE DECEMBERISTS
Canção: Infanta
site: http://www.decemberists.com

Quinteto americano, de indie pop, originário de Portland, que faz uma mixórdia sonora, com elementos pop, folk e algumas experimentações. Para se ter uma idéia, o grupo conta com um membro pra tocar acordeão e outro theremim e guitarra steel, e as letras são, na sua maioria, poesias e histórias ficcionais do século XIX. Liderada pela voz esquista de Colin Maloy, esse grupo é daqueles que vale uma ouvida geral na sua discografia, no caso, quatro álbuns, "Castaways and Cutouts" (2003), "Her Majesty The Decemberists" (2003), "Picaresque" (2005) e "The Crane Wife" (2006), dois eps e dois singles, todos devidamente “acháveis” nas boas casas do ramo. Vasculhem todos os álbuns e se deleitem com suas canções deliciosamente assobiáveis e grudentas. Como curiosidade, o nome do grupo é inspirado numa revolta russa do século 19. Fiquem com um clipe e uma sugestão de coletânea.

2007-07-08T06:15:00.000-03:00

LED ZEPPELIN - LED ZEPPELIN
Visceral Euforia Virtuosa

Quando se fala em Led Zeppelin, é impossível dissociá-lo do rótulo de precursor do heavy metal. Tanto assim que sua mistura de rock pesado com blues, psicodelia e folk representou um norte e tanto para uma porção de bandas que surgiriam depois. Quanto às influências, apenas para citar algumas, tem-se Elvis Presley, Muddy Waters, Willie Dixon, Beatles, Rolling Stones. O embrião do grupo foi uma banda montada por Jimmy Page, “The New Yardbirds” (obviamente formada a partir das cinzas do Yardbirds, grupo que se notorizou por ter revelado, além de Jimmy Page, outros dois grandes guitarristas ingleses Eric Clapton e Jeff Beck). Em 1967, Page é abandonado pelos músicos da banda. Porém como havia shows pendentes e dívidas a serem pagas, ele foi à cata de uma nova formação. O baixista John Paul Jones, o primeiro a fazer parte do novo projeto, indica o vocalista Robert Plant, membro de um grupo chamado "Hobbstweedle", que se uniu aos dois, trazendo consigo o baterista John Bonham (na minha opinião, um dos maiores bateristas de toda a história da música). Cumpridos os compromissos, em 1968 a banda adota o nome definitivo e grava o primeiro disco “Led Zeppelin”, que é lançado em janeiro do ano seguinte. Este álbum foi o resultado perfeito da combinação do blues + rock, demontrada pelo peso da guitarra de Page, pelo baixo intenso de Jones, pela bateria alucinada de Bonham e pela voz, por vezes, aguda, por vezes, rascante, de Plant. Era um som original, com vínculo (emocional e racional) no blues, mas tocado de modo um pouco mais pesado. Um álbum, enfim, que introduziu signifcativos conceitos para o rock, a partir de uma interpretação extremamente original daquele gênero. O álbum tem início com “Good Times Bad Times”, faixa de um pouco mais de dois minutos e meio que apresenta e sugere a sonoridade adotada pela banda. Com uma bateria vigorosa, a canção conta com um belo solo (embora curto) de Page e apresenta a voz de Plant um pouco mais contida. Canção arrebatadora!! Excelente faixa para abrir um álbum desse calibre. A faixa seguinte é uma das minhas preferidas de toda a discografia da banda: "Babe, I'm Gonna Leave You". Conduzida por uma guitarra acústica, a canção, que não é composição da banda, mas sim uma canção tradicional inglesa, segue por quase um minuto com o dedilhado delicado de Page servindo de base à voz, calma, de Plant. De repente vem a bateria e o baixo, que ficam até mais ou menos quatro minutos se alternando com o vocal solitário de Plant, quando irrompe um hard rock de primeira que se sustenta até o final. Uma aula de como misturar folk com rock pesado. A música seguinte é a versão definitiva para o clássico “You Shooke Me”, de Willie Dixon. O Led Zeppelin toma essa fantástica canção e a transforma em um sedicioso e elétrico rock and roll. Blues sendo tocado de forma pesada e visceral. Três momentos dignos de nota: o órgão tocado por Jones, a harmônica executada por Plant, e o duelo, já na parte final da canção, entre o vocal de Plant e a guitarra de Page. De arrepiar!! E quando, ao ouvir os últimos acordes dessa canção, você pensa em respirar, se refazer, surge - emendada - outra paulada: “Dazed and Confused”, um virtuoso rock pesado, que poderia muito bem ilustrar o tipo de som do grupo. Com uma introdução matadora, na qual o baixo de Jones, soando como se numa valsa, se solidariza aos acordes de Page, que abre espaço para os versos cuspidos por Plant, para em seguida surgir a bateria de Bonham, e dali um riff espetacular, a canção se mantém vigorosa o tempo todo, na qual todos os componentes demonstram a sua competência. São quase seis minutos e meio de puro delírio musical. Um clássico. Há uma versão dessa música no cd ao vivo “The Song Remains the Same”, de 1976, no qual o delírio se prolonga por quase 27(!!!) minutos. Vale a pena dar uma conferida. Na seqüência, as coisas se acalmam um pouco. Primeiro vem “Your Time Is Gonna Come”, uma bela canção folk, meio despretensiosa, mas mesmo assim, marcante. Em seguida, colada a essa, “Black Mountain Side”, que já acenava a influência da música celta para o grupo, o que iria se confirmar em álbuns posteriores. “Communication Breakdown” retoma o peso de antes, fazendo par com a canção de abertura. Música perfeita para se iniciar uma coletânea. Pauleira pura!!! A penúltima canção é mais uma homenagem a um dos ídolos da banda, Willie Dixon. Como se não bastasse “You Shooke Me”, a banda recria mais um clássico do mestre do blues: “I Can´t Quit You Baby”. Blues em estado de graça! Canção para se ouvir “n” vezes sem se cansar. Difícil dizer qual versão é melhor. Na dúvida, fique com as duas. O álbum termina com a épica “How Many More Times”, de oito minutos e meio. Energia rock-blues concentrada em uma única canção. Precisão rítmica e melódica. Canção que beira à excelência para fechar um álbum excepcional. E isso foi apenas o início da banda. Porém, o melhor início que se poderia querer. Nossos corpos, almas e corações, enternecidos, agradecem.

2007-07-01T06:25:00.000-03:00

BANDA: THE BLACK KEYS

Canção: Aeroplane Blues
site: http://www.theblackkeys.com/

Banda de dois homens apenas: Dan Auerbach (vocais, guitarra) e Patrick Carney (bateria), vindos de Ohio (EUA). O duo segue o caminho de outras formações do gênero, tanto na quantidade como no estilo musical, como por exemplo White Stripes, Lightning Bolt, Death From Above 1979, Raveonettes, entre tantas outras. Relendo sonoridades passadas (leia-se rock setentista sabbathiano/ledzeppiano), a dupla constrói, ao longo de 4 álbuns e alguns eps e singles, notáveis canções “rockers”, tendo por base o vocal blueseiro de Dan e a bateria constantemente desassossegada de Patrick. Ou seja, o que você vai encontrar ao longo dos álbuns é rock garageiro por excelência ao estilo de jam sessions, como se pode conferir a partir da sugestão de coletânea abaixo. Item necessário à sua discografia.

2007-07-01T06:19:00.000-03:00

BANDA: KULA SHAKER
Canção: Die for Love
site: http://www.kulashakermusic.com/

Banda inglesa que, na sua primeira fase, durou quatro anos, de 1995 a 1999, tempo suficiente para fazer dois discaços: “K” (1996) e “Peasants, Pigs and Astronauts” (1999), que, com a mistura de guitarras e uma certa dose de misticismo oriental, fez com o neo-psicodelismo (influenciado principalmente pelos Beatles) da banda caísse nas graças da maior parte da crítica. Independentemente disso, os dois álbuns são itens obrigatórios. De volta aos palcos em 2004 e aos estúdios ano passado, com o ep “The Revenge of the King”, o Kula Shaker lançou esse ano o melhor dos três álbuns da banda: “Strangefolk”, seguindo a mesma linha dos anteriores, ou seja, rock dos 1970 regado a um bom psicodelismo. Para facilitar: Beatles, Yes e Deep Purple revisitados, mas de forma competente. A canção indicada confirma o que acabei de escrever.

2007-06-23T12:12:00.000-03:00

BANDA: WILCO
Canção: You Are My Face
site: www.wilcoworld.net

Já que eu citei a banda Wilco no post anterior, vale escrever algo sobre ela, uma das melhores de rock na ativa. Essa banda norte-americana nasceu das cinzas do “Uncle Tupelo” (banda de country rock, que durou de 1987 a 1994) e que ao longo dos seus 7 álbuns experimentou e reexperimentou country, psicodelia, soul, R&B, pop dos ´70. Assim, o grupo sempre esteve - veloz - na contramão do lugar comum, ainda que fazendo um som, acreditem, extremamente simples. Pode-se definir sua sonoridade como um folk rock com pitadas de rock clássico dos anos 70. Som calmo, agradável, que não há como não gostar e sair assobiando as melodias. Apenas como informação: o penúltimo disco da banda, “A Ghost is Born”, ganhou o Grammy de melhor disco alternativo em 2005. Não que isso signifique muito já que tem cada coisa que obtém esse prêmio... mas enfim, é um grupo que já teve seu reconhecimento atestado, e um premiozinho nunca é demais. E para a felicidade de uma legião de fãs que curte o som do grupo, acaba de sair “Sky Blue Sky” que consegue ser melhor que o anterior. Caso não tenha tempo de dar uma visitada na discografia completa do grupo, deixo essa coletânea abaixo. Caso seu tempo seja ainda mais curto, vá, de cara, em “Sky Blue Sky” e confirme – ou não – o que eu acabei de escrever.

2007-06-23T06:43:00.000-03:00

Cantor: Billy Bragg
Canção: It Says Here
Site: http://www.billybragg.co.uk/

Antes de falar sobre Billy Bragg, tem-se que trazer à baila a figura de Woody Guthrie, considerado como um dos nomes mais importantes em toda a história da cultura popular norte-americana. Criador da country-music moderna, ele funcionava como a voz das minorias sociais, ou seja, daqueles que não conseguiam expressar suas idéias, desejos, necessidades, reivindicações, ou conseguiam, em menor grau, como os negros, os marginais, os operários etc. Peregrinando de cidade em cidade com o violão às costas (no qual podia se ler em letras garrafais "Esta máquina mata fascistas"), Woody Guthrie, que morreu em 1967, viveu de maneira simples, acreditando que a música podia mudar o mundo. E pra quê falar de Woody Guthrie, se o artista em questão é Billy Bragg? Exatamente porque aquele sempre foi seu maior ídolo, e Billy Bragg se espelhou – e se espelha – na mesma proposta de Woody. Nascido em Essex, na Inglaterra, em 1957, Billy começou tocando em um grupo punk chamado Riff Raff. Bastou pouco tempo para que ele se lançasse em carreira solo unindo a raiva do punk rock com a conscientização política e social de tradição folk, como a executada por Bob Dylan (também seguidor de Woody Guthrie). Dono de um carregado sotaque britânico (como fica claro na canção indicada), esse violeiro inglês também encontra espaço em suas letras para falar sobre sentimentos/emoções humanas. Executando o que se convencionou denominar de música de protesto, Billy participou e participa de greves, de ações pró-trabalhadores, de ações beneficentes etc., buscando despertar uma maior conscientização política e social por parte daqueles que o ouvem. Deixando a questão política de lado, para se ter uma idéia do quanto o cara é um baita músico, ele trabalhou, para citar apenas alguns, com Smiths, Wilco e R.E.M. Além disso várias bandas já fizeram homenagens às suas canções. E mais ainda: ele recebeu da família de Woody Guthrie (seu maior ídolo) uma batelada de letras não musicadas. Reunido com a banda Wilco, ele musicou e gravou essas canções, registradas nos álbuns Mermaid Avenue – vol. 1 e 2, de 1998 e 2000, respectivamente. Vale – e muito – a pena incursionar pelas cativantes canções desse cara.

2007-06-16T13:23:00.000-03:00

Não se trata aqui de fazer jabá para a Revista Bizz, mas foi graças a ela que, na minha adolescência, tomei contato com uma porção de grupos bacanas como R.E.M., Jesus and Mary Chain, The Smiths, The Cult, Siouxsie and the Banshees, Dead Kennedys, Picassos Falsos, Fellini, Violeta de Outono, entre tantos e tantos e tantos outros. O mesmo seu deu com o De Falla. Sempre fui (e ainda sou) leitor da revista, porém, na segunda metade dos 1980 não havia as possibilidades infinitas que uma ferramenta como a internet permite, hoje, para que aficcionados por música, como eu, tentem, minimamente, se atualizar em termos de bandas e gêneros musicais. O que havia, caso você quisesse algo que fugisse do mainstream, eram o programa “Som Pop” da TV Cultura, uma ou outra crítica de jornal e a Bizz. A primeira vez em que li algo sobre o De Falla foi na edição de fevereiro de 1988, que apresentava como reportagem principal o “Prêmio Bizz – Melhores de 1987”. O álbum “De Falla” e a canção “Não Me Mande Flores” estava nas listas da quase totalidade dos críticos que, então, elegeram os melhores do ano anterior. Claro que aquilo aguçou minha curiosidade, afinal vários daqueles críticos já haviam destacado, ao longo de mais de dois anos na Bizz, uma porção de bandas que acabou fazendo parte da minha discoteca. E por que em relação ao De Falla seria diferente? O fato é que não demorou muito para eu conseguir encontrar o tal álbum em uma excelente loja de vinil que havia em Araraquara (cidade que cresci e vivi até os 30 e poucos anos) chamada Chanton (essa loja também foi muito importante para a minha iniciação em termos de boa música), e que, hoje, óbvio, não existe mais. De posse do álbum, que tem uma capa estranha e bacana, e que também por isso anunciava que dali poderia sair muita coisa boa (ou você nunca comprou um disco pela capa?) e uma contra-capa tão bacana quanto à capa, fui direto na tal “Não Me Mande Flores”, anunciada em verso e prosa como uma das melhores canções de 1987. Amor à primeira audição. Um cara, de saco cheio de uma fulana, quase que implora para ela largar do seu pé “Não me mande flores/Pare de bater no interfone/ Eu não preciso do seu amor/ Pare de me torturar, não ouse me ligar/Eu não preciso do seu amor”. E como se não bastasse, berra, várias vezes, em português errado, mas devidamente licenciado poeticamente, “Eu não amo você”, isso tudo regado à uma deliciosa guitarra e uma intensa bateria. Essa canção é apenas uma amostra do que é o disco “De Falla”. Remando contra a maré da obviedade que, como sempre, invadia as rádios e emissoras de tv, o De Falla construiu um álbum que se configurou para a época algo tão improvável quanto uma cópula entre Jason e Mary Poppins. O disco é uma metralhadora giratória atirando – e bem – para tudo quanto é lado: rock, punk, hard-rock, heavy metal, hip hop, funk, noise e alguns eteceteras. Repleto de microfonias, vinhetas, ruídos estranhos e tendo por base letras ora desprovidas de coerência ora extremamente lógicas, o álbum começa com o rock swingado de “Ferida” (“Ai como dói a faca que me rasga o peito”) e “O Qué Icho”. Ainda são do lado A três das melhores canções, não só da banda, mas do rock nacional: a devassa “Sodomia”, a já citada “Não Me Mande Flores” e a “joydivisioana” “Idéias Primais”. O lado B começa com o pop rock depressivo “Sobre Amanhã”, canção que muita banda da época gostaria de ter feito. Na seqüência vem “Alguma Coisa”, uma mistura de Sonic Youth com D. Juan de Marco (Você sabe que seu corpo é minha terapia particular/Não importam as posições e muito menos as condições). Duas outras canções que também merecem destaque do lado B são “I Am An Universe” e “Tinha Um Guarda na Porta”. Para terminar, alguns registros que se fazem necessários: 1) O disco seguinte, de 1988, que, tal qual o primeiro, é homônimo, faz-se tão essencial quanto o anterior; 2) Em 1996, a BMG Ariola lançou em cd uma compilação com as músicas dos dois primeiros discos da banda; 3) A formação original figurou apenas nos dois primeiros discos; 4) Há muitos outros álbuns gravados pela banda (que ainda está na ativa) com outras formações, mas longe de serem representativos como o primeiro o foi; 5) De Falla, a banda, foi um grupo de rock de origem gaúcha formada em 1984 que possuía em sua formação original Edu K. (voz, guitarra, órgão, scratch), Biba Meira (bateria), Flávio Santos (baixo) e Castor Daudt (guitarra), sendo uma das mais influentes do rock brazuca, muito embora sem o reconhecimento devido; 6) “De Falla”, o álbum, é um petardo sonoro para ser ouvido alto, e por várias e várias vezes, já que há nele um sem número de minúcias à espera de uma audição mais acurada; 7) “De Falla”, o álbum, deveria ser tratado como objeto de culto por parte dos apaixonados pelo bom e velho rock´n´roll. Quem sabe um dia o seja.

"De Falla" - BMG Ariola - Selo Plug - 1987

Lado A

01-Ferida

02-O Qué Icho

03-Sodomia

04-Papapapaparty

05-Grampo

06-Não Me Mande Flores

07-Idéias Primais

Lado B

01-Sobre Amanhã

02-Alguma Coisa

03-Melô do Rust James

04-Jo Jo

05-I´m Am An Universe

06-Tinha Um Guarda na Porta

07-Trash Man

08-Gandaia

2007-06-16T06:25:00.000-03:00

Banda: Explosions in the Sky
Música: First Breath After Coma
Site: http://www.explosionsinthesky.com/

Banda texana formada por Michael James (baixo), Mark Smith (guitarra), Munaf Rayani (baixo) e Chris Hrasky (bateria), que começou em 1999, e se qualificou (ou foi qualificada) como um dos principais representantes do que se convencionou chamar de pós-rock, que nada mais é do que uma fusão de uma sonoridade puramente roqueira com outras configurações musicais como a eletrônica, o clássico, o jazz etc, sem se preocupar muito com o formato da canção. No caso do EITS, a sua pegada é mais “rocker”, já que o som progressivo norteia a subversão sonora executada com maestria pela banda. Contando com seis álbuns (2000 - How Strange, Innocence, 2002 - Those Who Tell the Truth Shall Die, Those Who Tell the Truth Shall Live Forever, 2003 - Earth Is Not a Cold Dead Place (obra-prima), 2004 - Friday Night Lights, 2005 - The Rescue, 2007 - All of I Sudden I Miss Everyone), o grupo produz um som encorpado que varia, dicotômico, como um planeta dividido ao meio, metade claro, metade escuro. Porém, no caso do EITS a dicotomia oscila entre melancolia e desespero, serenidade e fúria, delicadeza e rudeza, céu e inferno. É exatamente essa oscilação (exuberantemente bem dosada), quando o som, antes contido, torna-se desenfreado, que faz com que a banda se eleve à qualidade de sublime. Confira isso no clipe abaixo, “Yasmim the Light” e caso queiram ir além, deixo a sugestão de uma coletânea.

2007-06-07T07:19:00.000-03:00

Banda: BellRays
Música: Voodoo Train
Site: http://www.thebellrays.com/

O rótulo mais usado pelos críticos para definir a sonoridade dessa banda é Rock´n´Soul. Porém, o BellRays vai muito além. Conduzido pela voz potente de Lisa Kekaula, que é comparada pela crítica com Tina Turner (na verdade acho que está mais para Aretha Franklin), o grupo mistura punk com soul, blues com punk, rock com soul e por aí vai. Algo como um MC5 com vocal soul! É perfeito! Formada por Lisa Kekaula (vocal), Bob Vennum (baixo), Tony Fate (guitarra) e Ray Chin (bateria), a banda, originária de Los Angeles, na ativa desde o começo dos 1990, conta com uma discografia de 5 álbuns, todos urgentes!!! Não perca de jeito nenhum! Abaixo deixo um vídeo para vocês terem uma idéia da sonoridade do grupo.

2007-06-06T06:23:00.000-03:00

Banda: Clinic

Música: Harmony

Site: http://www.clinicvoot.org/

Banda de Liverpool, de som e características extremamente singulares, que já conta com 5 cds gravados. Uma das bandas preferidas do também singular Thom Yorke, que, há tempos atrás, a convidou para abrir alguns shows do Radiohead. Para se ter uma idéia da sua singularidade, o grupo é composto por quatro caras que se apresentam usando máscaras cirúrgicas e fazem uma mistura de leves sons eletrônicos (feitos e abusados maravilhosamente por um teclado especial chamado escaleta, na verdade uma flauta com teclas) com guitarras, produzindo um som de certa forma angustiante e hipnótico, mas que às vezes se torna acelerado ou (re)confortante. Vez ou outra se pode pinçar aqui e ali uma linha de baixo da melhor qualidade e alguma coisa que soa como um sax, mas que na verdade é um teclado emulando um sax. Uma vez assimilada tal sonoridade, você vai saber, quando ouvir de uma outra vez, que se trata do Clinic. Ninguém faz nada parecido. Seguem, abaixo, uma sugestão de coletânea para vocês se iniciarem no som do grupo e o clipe da canção “Come Into Our Room”.

2007-06-05T22:59:00.000-03:00

CD 1

01 - Elvis Presley - A Little Less Conversation (JXL Radio Edit Remix)
02 - Sepultura - Bullet the Blue Sky
03 - Jon Spencer Blues Explosion - She Said
04 - Tom Waits - A Sweet Little Bullet
05 - Lovage - Anger Management
06 - TSOL - How Do
07 - 59 Times - Sweet and Tender Hooligan
08 - Mad Season - Long Gone Day
09 - 13 Sentenced - Creep
10 - Bjork - All is Full of Love
11 - Johnny Maar and the Healers - Last Ride
12 - Morrisey - You're Gonna Need Someone on Your Side
13 - Starsailor - The Way Young Lovers Do
14 - Queen of the Stone Age - God Is On The Radio
15 - The Cramps - Goo Goo Muck
16 - David Bowie - Wild is the Wind
17 - R.E.M. - Leave

CD 2

01 - Moby with New Order - New Dawn Fades
02 - Joe Strummer - Dum Dum Club
03 - Beatles - Tomorrow Never Knows
04 - Violent Femmes - No Killing
05 - Korn - Freak on Leash
06 - The Strokes - Hard to Explain
07 - Eels - Hospital Food
08 - Polyfhonic Sprees - Call Your Father
09 - Miranda Sex Garden - Exit Music (For A Film)
10 - Robert Plant - One More Cup Of Coffee
11 - Tito & Tarantula - Smilin' Karen
12 - Metalica - Poor Twisted Me
13 - Nick Cave - Where Do We Go Now But Nowhere
14 - Pixies - U-Mass
15 - Morphine - French Fries with Pepper
16 - Pulp - The Fear
17 - Massive Attack Featuring Sinead O'Connor - Angel

2007-06-05T14:31:00.000-03:00

Banda: Lightning Bolt
Música: On Fire
Site: http://laserbeast.com/

Caso você se julgue um legítimo apreciador do rock and roll, há a necessidade - urgente - de você conhecer e se afundar na sonoridade do Lightning Bolt. Adianto que não se trata de um som facilmente digerível. Na verdade, os timbres criados por essa banda encontram-se longe, muito longe disso. Para ser o mais claro possível: trata-se de uma dupla americana que faz um som intenso, tenso, atroz, explosivo, acelerado, que te engole por completo e não deixa espaço para mais nada em seu cérebro. E o mais singular, os responsáveis por uma sonoridade dessa são APENAS dois caras, ou melhor dois “Brians”: o Chippendale e o Gibson. O primeiro “toca” bateria (na verdade ele destrói a bateria) e canta (na maioria das vezes, coisas ininteligíveis), e o segundo “toca” baixo (ou melhor, ele extrai desse instrumento sonoridades que eu jamais pensei que pudessem sair de um baixo, basta que se ouça a introdução da música indicada. E podem acreditar: aquilo tudo sai apenas do baixo). Não é metal. Não é rock pauleira. Não é trash. Nada disso. Embora seja algo complicado de se rotular, pode-se dizer que o som da banda fica próximo de um post-rock experimental. É algo original, visceral, inesperado. É algo para se ouvir alto, muito alto. Não sei que tipo de som se toca no inferno, mas deve ser algo próximo disso. Ou melhor: essa dupla deve ter, na verdade, composto a trilha sonora de lá. Não perca!!! Deixo como sugestão o clipe da música “Two Towers” e uma sugestão de coletânea.

2007-05-20T06:02:00.000-03:00

RADIOHEAD - OK COMPUTER
A Contemplação do Ser Humano Moderno em Doze Arrebatadores Instantes

Thom Yorke nasceu em Wellingborough, na Inglaterra, em 1968. Seu contato com a música começou aos 10 anos, em Oxford, e aos 14 fundou a banda “TNT”, com o baixista Colin Greenwood. Cinco anos depois, a evolução natural do “TNT” foi o grupo “On a Friday”, que incluía o guitarrista Ed O´Brien e o baterista Phil Selway, além de Colin, que permanecera com o antigo colega. O nome da banda, porém, não agradava nem gregos nem troianos. Por isso o pessoal tratou de mudá-lo, escolhendo o nome definitivo, a partir da canção “Radio Head”, do álbum “True Stories”, do Talking Heads. Nessa época, já havia se juntado ao grupo o guitarrista Jonny Greenwood, irmão de Colin. “Pablo Honey” foi o primeiro álbum do grupo, gravado em 1993. Puxado por “You”, “Anyone Can Play Guitar” e principalmente pela mais doentia balada já escrita, “Creep”, o álbum mostrava ao mundo que o Radiohead era uma banda promissora, dotada de grande personalidade. Dois anos depois, a banda lançou um dos principais álbuns da primeira metade da década de 90, “The Bends”, composto por doze canções magistrais. Com “The Bends”, o Radiohead ganhava a atenção definitiva do público (com seus 2 milhões de cópias vendidas) e da crítica especializada. Apenas como curiosidade, foi graças a “Fake Plastic Trees”, desse álbum, que o Radiohead começou a ficar conhecido aqui no Brasil. Isso graças à inserção da canção em uma propaganda/campanha sobre a síndrome de Down, que possuía como protagonista um menino chamado “Carlinhos”. Logo, o pessoal que curtia música, aguçado pela curiosidade, queria saber que música era aquela da “propaganda do Carlinhos”. A partir disso, o nome Radiohead começou a ficar conhecido por essas plagas. “The Bends” é um álbum que, além de ser importante musicalmente, foi o primeiro passo para Thom e seus comparsas exporem questões como a solidão, a tecnologia, o consumo. A bola estava erguida. Em 1997, o Radiohead retoma essas questões, mas de forma muito mais aprofundada e madura, com sua obra-prima, “Ok Computer”. Com esse álbum, o Radiohead conseguiu o que muitas bandas tentaram, mas por medo ou incompetência não conseguiram: transitar do rock para uma experimentação sem cair no excesso, o que poderia gerar enfado e/ou descaracterizar a sonoridade do grupo. Foi uma passagem lenta e gradual que ganhou espaço maior nos álbuns seguintes, porém isso é assunto para outro texto. “Ok Computer” é considerado como um dos melhores discos da década de 90, bem como um dos melhores de todos os tempos pelas várias eleições de setores especializados, como revista, rádios etc., ou não. O álbum foi aclamado pela crítica tendo sido reconhecido como o melhor do século pelos leitores da revista inglesa “Q”. Não à toa o álbum foi apelidado de “o ‘Dark Side of the Moon’ dos anos 90”. E o que faz esse álbum ser qualificado de obra-prima? Para responder de pronto, penso que é a perfeita simbiose entre as letras (ácidas e tristes) e a capacidade musical do grupo, ali explorada à exaustão, já que nada é excessivo, TUDO tem razão de ser. Toda nota, instrumento, ruído soam como se fossem peças essenciais de uma máquina, que caso faltassem ou trabalhassem de modo mais lento ou mais rápido terminariam por causar algum dano. Esses fatores, portanto, permitiram que a maior banda de Oxford fizesse um álbum perfeito, do começo ao fim. Insante 01 - O álbum começa com “Airbag”, um poderoso rock, tocado de forma “suja”, no qual o protagonista, depois de ter sido salvo por um airbag, passa a crer que sua missão é a de salvar o universo. Nela, já é possível detectar “ruídos estranhos ao rock”, que marcariam a construção de todo o álbum. Instante 02 - “Paranoid Android” começa com o dedilhar de uma guitarra, no melhor estilo de uma canção pop, com Yorke cantando de forma suave, explorando toda sua qualidade vocal. Com um pouco mais de dois minutos e meio, a canção se altera bruscamente, ganhando peso, com a voz de Yorke acompanhando tal reviravolta. O que se tem no minuto seguinte é um rock and roll tresloucado, descontrolado que vai te sugar para dentro dele. E quando a sensação é de desespero, tudo se altera novamente. Uma sensação de paz te atinge o peito. Você é tomado pela quietude e pela serenidade. Emoção pura. Mas aí, quando você acha que tudo vai acabar dessa forma, a sinfonia de ruídos e “sujeiras” retoma e segue até o final da canção, te oferecendo um norte caótico. Uma das maiores canções de todos os tempos, sem exagero. Instante 03 - “Subterranean Homesick Alien” é uma canção calma, de teor onírico, belíssima. Sua letra ilustra a proposta do álbum e mostra como as letras se constituem em um dos pilares para que a “Ok Computer” seja atribuída a qualidade de obra-prima. “Vivo em uma cidade onde não se pode cheirar nada. Bem acima, aliens pairam, fazendo filmes caseiros para suas famílias sobre todas essas criaturas estranhas que trancam seus espíritos, perfuram buracos em si mesmos e vivem para seus segredos. Eles estão todos tensos. Eu gostaria que eles descessem em meu caminho tarde da noite quando estou dirigindo. Embarcassem-me em sua linda nave e me mostrassem o mundo como eu gostaria de vê-lo. Contaria a todos os meus amigos mas eles nunca acreditariam em mim. Pensariam que eu finalmente enloqueci completamente. Eu mostraria-lhes as estrelas e o sentido da vida. Eles me trancafiariam longe. Mas eu estaria bem.” O que mais escrever? Não há tempo mínimo para se recuperar, já que na sequência, você é abençoado com “Exit Music (For a Film)” (Instante 04). Não há como deixar de se emocionar. Yorke murmura, cantando no melhor clima Romeu e Julieta moderno: “Hoje nós vamos fugir. Arrume as malas e vista-se, antes que seu pai nos ouça, antes que todo o inferno desabe”. Sobre a canção mais triste e mais bela do álbum, com a palavra o próprio Yorke: "Ela foi feita para ditar o clima do disco. Fizemos a canção em cinco horas. Então levei ela para casa, toquei e chorei.'' Instante 05 - “Let Down” é terno, suave e brando, musicalmente falando. Embora seja uma delícia de música, sua letra expõe a acinzentada rotina de um urbanóide: “Transportes, motovias e trólebus. Andando e então parando. Decolando e aterrissando. A mais vazia sensação. Pessoas desapontadas, apegando-se a frascos. E quando chega é tão decepcionante. Decepcionado e abandonado. Esmagado como um inseto no chão. Decepcionado e abandonado.” Na seqüência, vem “Karma Police” (Instante 06). Conduzida por um belo piano, a canção reveste-se de esquizofrenia, de paranóia, já que “aquele que é diferente” tem que ser “consertado” no melhor estilo funcionalista: se a sociedade é uma máquina e os indvíduos são peças dessa máquina que para se reproduzir deve contar com seu funcionamento perfeito, as regras, o controle, o Estado existem exatamente para consertar a peça defeituosa e trazer a harmonia para a sociedade. “Prenda este homem, ele fala em matemáticas, ele zumbe como uma frigideira. Ele parece um rádio fora de sintonia. Prenda esta garota, seu penteado de Hitler está me deixando doente. E nós acabamos com a festa dela. Isto é o que você ganha. Isto é o que você ganha. Isto é o que você ganha. Quando você mexe com a gente”. A música começa calma, até, para culminar inquieta, pertubadora, exasperada. Instante 07 - “Fitter Happier” é uma espécie de vinheta, que sintetiza e simboliza a proposta do álbum. Um computador dita regras para que o indivíduo possa ser mais saudável, mais feliz e mais produtivo, tais como não beber, frequentar a academia, ter uma alimentação saudável (“nada de microondas e gorduras saturadas”), ser um motorista paciente, checar com freqüência o crédito no banco, não colocar água fervente nas formigas, lavar o carro (mesmo aos domingos), ser um membro informado e ativo da sociedade, não chorar em público, entre outras regras. Constantemente o indivíduo é mais e mais cobrado por seus pares para que ele se adapte às regras do mundo no qual se insere. A questão é: o que isso provoca em termos físicos, morais e psicológicos quando tal exigência não é conseguida? Obviamente a confiança em si mesmo se desfaz. E isso contribui para tornar o indivíduo "menor" perante à sociedade e por vezes perante a si mesmo. Instante 08 - “Electioneering” é pauleira rock and roll de primeira. Camadas de guitarras, que fogem do padrão musical do álbum até aqui, servem de base para Yorke cantar a desfaçatez contida nas campanhas políticas. A canção seguinte opõe-se completamente à anterior: "Climbing Up The Walls" (Instante 09), começa serena, com Yorke cantando em tom lamurioso, para gradativamente, ser acrescida de um elemento ali outro aqui, até explodir, no melhor estilo pós-rock, em uma contagiante “sujeira sonora”, com Yorke urrando ao final da música. Sobre essa canção, diz o autor: "Esta é sobre o inexplicável''. Talvez seja sobre o inexplicável que nos habita e que fica à espreita, esperando o menor descuido de nossa parte para dar o bote". Quem sabe? Instante 10 - “No Surprises”, embora pareça, no início, uma canção de ninar, é pura claustrofobia. Retrata o que pode acontecer com sua vida, a partir do momento que você segue aquelas tais regras: “um coração cheio feito um aterro, um emprego que te mata lentamente, feridas que não vão cicatrizar, você parece tão cansada e infeliz, (...) eu vou levar uma vida tranqüila, um aperto de mão, um pouco de monóxido de carbono, sem alarmes e sem surpresas”. Essa canção conta com um clipe que retrata fielmente a tal claustrofobia da canção. Instante 11 - “Lucky” é uma das mais lindas canções do Radiohead e da trilha sonora da minha vida. Mantendo o padrão musical da anterior, essa canção retoma o propósito do tal cara da primeira canção, aquele que foi salvo pela airbag e que quer salvar o mundo: “Mate-me Sarah, Mate-me novamente, com amor. Este vai ser um dia glorioso. Tire-me da queda de avião. Tire-me do lago. Porque eu sou seu super-herói”. Canção que pode ser ouvida um dia inteiro seguido sem produzir cansaço (caso você tenha tempo pra isso, a não ser que você passe o tempo todo cumprindo regras). Instante 12 - “The Tourist”, que encerra o álbum, é uma canção límpida, musicalmente falando. A sua melhor definição vem do próprio Yorke: ''Tem certos dias em que minha mente funciona tão rapidamente que eu não consigo controlá-la. 'The Tourist' é um tipo de prece que eu fiz para fazê-la parar." “Ok Computer” é a trilha sonora dos dias hodiernos. “Ok Computer” é lírico, áspero, melódico, visionário, sufocante, doloroso, triste, eufórico. “Ok Computer” manifesta uma atmosfera bela e singular. Bela pois produz um fascínio instantâneo assim que sua musicalidade nos é introjetada. Singular pois traduz, em linguagem própria, com texturas musicais originalíssimas, um cenário física, moral e psicologicamente desconcertado, mostrando os efeitos maléficos que o individualismo, a solidão, o consumo podem causar ao ser humano. Por ser engolido pela tecnologia, por fazer parte de processos sociais cada vez mais competitivos, por ser objeto de constante controle por parte de um poder/Estado, o indivíduo se limita a (re)produzir, tal qual um autômato (já que não se reconhece mais), as regras, os objetivos, os valores que são exigidos para que ele se mantenha “funcionando”, tudo isso em detrimento dos sentimentos, e por vezes da ética e de valores outros como a cooperação e a solidariedade. “Ok Computer” é modelar, é referencial, é indispensável.

2007-05-20T05:44:00.000-03:00

Banda: The Verve
Canção: The Drugs Don't Work
Site: http://www.theverve.co.uk

Surgido em 1990, na onda do Brit Pop, a formação original do Verve contava com Richard Ashcroft (vocal e guitarra), Nick McCabe (guitarra), Simon Jones (baixo) e Peter Salisbury (bateria). Sua – curta – carreira durou exatos 10 anos, 3 álbuns, 2 compilações e uma “tantada” de singles e eps. Sobre os álbuns, o primeiro foi “A Storm in Heaven”, de 1993, do qual se destaca o hit “Slide Away”. Dois anos depois foi a vez de “A Nothern Soul”, com as matadoras “This is Music” e “History”. E por fim “Urban Hymns”, de 1997. De cara, o que posso dizer sobre esse álbum é que com certeza ele estaria na minha lista dos 20 maiores álbuns de todos os tempos. De longe é o melhor álbum da banda e o mais acessível, musicalmente falando (tanto que vendeu mais de 7 milhões de cópias). Teve gente na imprensa britânica que comparou “Urban Hymns” a "Closer", do Joy Division. Exageros à parte, o álbum é todo norteado por arranjos de cordas, baladas e letras depressivas ou de desafogos, como no caso da canção indicada, que trata do desapego por parte de Richard Ashcroft em relação às drogas. Um álbum para ser ouvido, assimilado, dissecado. Após uma série de brigas, desgastes e pressões, a banda terminou em 1999. Ashcroft segue carreira solo, mas nem de longe conseguiu em seus álbuns solos compor uma única canção que fosse como quando da época do The Verve. Fiquem com o clipe da bela canção "The Drugs Don´t Work".

2007-04-28T06:24:00.000-03:00

Krig-Ha, Bandolo! (grito de guerra de Tarzan, que quer dizer: Cuidado, aí vem o inimigo!) foi a primeira incursão solo de Raul Seixas em disco. Antes, o roqueiro bahiano havia gravado, em 1968, o lp Raulzito e Os Panteras, e, em 1971, aproveitando uma viagem do presidente de sua gravadora, a CBS, gravou o lp Sociedade da Grã-Ordem Kavernista apresenta Sessão das Dez, ao lado de Sérgio Sampaio, Miriam Batucada e Edy Star, o que lhe valeu a expulsão da CBS. Krig-Ha, Bandolo! nasceu clássico. Ali está contido o supra-sumo do rock "Rauliano". O disco abre com uma pequena introdução, na verdade uma gravação de Raul Seixas, aos nove anos, cantando trechos de rockabillys clássicos. A primeira canção do disco é Mosca na Sopa (uma das canções preferidas de Raul), já apontando o misto de guitarras e elementos da música nordestina, que embasaria boa parte de sua discografia. A letra, um recado escrachado, deixava claro qual seria sua intenção: a de ir na contra-mão, fugir da mesmice, enfrentar, contestar, coisa que ele soube fazer como ninguém através de suas canções. Na seqüência, uma das mais emblemáticas canções de Raul: Metamorfose Ambulante, que reforçava o que havia começado expor na canção anterior, escancarando a todos que, sem dúvida alguma, Raul Seixas não era um sujeito reto, óbvio, preciso, mas sim que se encontrava em constante estado de mutação, principalmente no que se referia à música. A terceira canção do álbum é Dentadura Postiça (uma das minhas canções preferidas), um delicioso e descompromissado country rock. Em seguida vêm, na seqüência, As Minas do Rei Salomão, outro delicioso country rock, A Hora do Trem Passar, uma balada de menos de dois minutos, com uma letra e textura de arrepiar (uma das mais belas canções de sua discografia), Al Capone, rock roll em estado puro!!!, How Coud I Know, outra belíssima balada cantada toda em inglês e costurada por um emocionante piano. Além de tudo isso, ainda há mais três sensacionais canções, que fecham o álbum. Rockixe, que com sua introdução matadora e o naipe de metais nos mostra como é que se faz um rock, Cachorro Urubu, um folk rock de primeira, com uma letra bem legal, e para fechar Ouro de Tolo, a ácida crítica consumista à classe média-alta, que embora escrita no começo dos anos 70, cai como uma luva nessa época de globalização/neoliberalismo, demonstrando que o que vale é trabalhar, competir, consumir. Enfim, não há muito o que se escrever sobre essa obra-prima do rock nacional nem mesmo sobre Raul Seixas, o maior rocker brasileiro. O que nos resta é ouvir o álbum. Boa audição!!!

Krig-Ha, Bandolo! 1973/ Philips/Phonogram

Introdução ( Raul aos 9 anos)

01- Mosca na Sopa - (Raul Seixas)

02- Metamorfose Ambulante - (Raul Seixas)

03- Dentadura Postiça - (Raul Seixas)

04- As Minas do Rei Salomão - (Raul Seixas/ Paulo Coelho)

05- A Hora do Trem Passar - (Raul Seixas/ Paulo Coelho)

06- Al Capone - (Raul Seixas/ Paulo Coelho)

07- How Could I Know - (Raul Seixas)

08- Rockixe - (Raul Seixas/ Paulo Coelho)

09- Cachorro Urubu - (Raul Seixas/ Paulo Coelho)

10- Ouro de Tolo - (Raul Seixas)

2007-04-21T05:46:00.000-03:00

Banda: Messer Chups
Canção: Fantomasofobia
Site: http://www.messerchups.ru/

Não se sabe de onde esses figuras (na verdade uma dupla) vêm, se da Alemanha, da Rússia, da Hungria ou de outro lugar. Também não importa. O que vale, na verdade, é que eles fazem uma deliciosa sonoridade jogando no mesmo caldeirão surf rock, rockabilly, áudios de filmes trash, um teremim e outras coisas estranhas. O resultado, conduzido pelo multi-instrumentista Oleg Gitarkin e por Annette Schneider, é uma singular doideira sonora que garante bons minutos de diversão. Para vocês terem uma idéia do que se passa na cabeça dos dois, entre no site. Diversão garantida!!! Fiquem com o clipe da canção "Go Satan Go" (na melhor linha de filmes trash) e com uma sugestão de coletânea.

2007-04-21T05:41:00.000-03:00

Banda: Detroit Cobras
Canção: I Wanna Holler (but the town’s too small)
Site: http://www.bloodshotrecords.com/artists/detroitcobras/

Essa banda, como o nome indica, natural de Detroit (terra do visceral MC5 e do singular White Stripes), foi formada em 1995. Fazem parte do grupo o guitarrista Steve Shaw, a também guitarrista Maribel Restrepo, Jeff Meyer no baixo, Damian Lang na bateria. Além disso a banda conta com dois diferenciais: o primeiro é a ex-açougueira e dançarina Rachel Nagy nos vocais, ora suaves ora sacanas; e o segundo é o fato da banda não produzir material próprio. Os quatro cds lançados (sendo que o último, “Tied and True”, acabou de sair) são recheados com o melhor da influência blueseira dos anos 50 e 60, como por exemplo Otis Redding e Willie Dixon (a versão da banda para “Insane Asylum”, de Willie Dixon, é de rasgar a razão) + punk + rockabilly. Contudo, o Detroit Cobras não deve ser visto apenas como uma banda de covers, mas sim como uma reinventora de canções consagradas. É como se a banda engolisse a música, na seqüência a digerisse, derramando sobre ela os mais originais sucos gástricos do rock, e a vomitasse, despejando alguma coisa que possui a mesma origem da que foi engolida, mas com um aspecto bem diferente (sei que a metáfora não foi das melhores, mas acho que deu para entender). Rock and Roll sem frescuras, excelente para se ouvir no volume lá no alto e encher o saco dos vizinhos, caso, óbvio, eles não gostem de Rock. Ao invés de um clipe, como de costume, fiquem como uma oriental dançando, toscamente, diga-se, ao som de “Ya! Ya! Ya!", canção do ep “Seven Easy Pieces”, de 2004.

2007-04-14T07:19:00.001-03:00

01 - The Vampire Sound Inc. - The Lions and the Cucumber
02 - Marilyn Manson - The KKK Took My Baby Away
03 - Massive Attack - Future Proof
04 - Starsailor - Fever
05 - Placebo - Protect Me From What I Aant
06 - Stereolab - Golden Ball
07 - System of Down - Highway Song
08 - Jon Spencer Blues Explosion - Calvin
09 - Jeff Buckley - New Year's Prayer
10 - Queens Of The Stone Age - Song For The Dead
11 - Gorillaz - Latin Simone
12 - Snuff - I Will Survive
13 - Soundtrack of Our Lives - Four Ages (Part II)
14 - Interpol - Say Hello to the Angels
15 - Doves-Firesuite

2007-04-13T23:54:00.000-03:00

Cantor: Moby
Canção: Lift Me Up
Site:http://www.moby.com

Moby (Richard Melville Hall) nasceu em Nova Iorque, em 1965, e seu apelido veio devido ao seu parentesco, ainda que distante, com Herman Melvile, autor de Moby Dick. Tendo experimentado várias vertentes musicais, desde o erudito, passando pelo Reggae, Hardcore e Punk, Moby se consagrou realmente como DJ, o que lhe rendeu a condição de um dos maiores representantes da música eletrônica mundial. Embora só tenha estourado com o cd "Play", de 1999, que vendeu cerca de 10 milhões de cópias, antes disso já havia gravado 6 cds tão bons quantos esse, como por exemplo "Animal Rights", de 1996, para mim, o melhor dele até hoje, ao lado de "18" e do último "Hotel". Se quiserem começar a explorar o som do cara, comecem por esses três ou podem seguir a coletânea humildemente sugerida abaixo por esse que lhes escreve. Dizer que Moby faz música eletrônica é simplificar demais seu valor. Suas músicas são extremamente bem construídas, misturando batidas eletrônicas com a vitalidade do rock, estabelecendo um equilíbrio exato entre a parafernália eletrônica e os demais instrumentos. Passeando por seu arsenal musical, vocês encontrarão músicas alegres, tristes, dançantes, desencanadas, reflexivas etc etc etc. Vale uma conferida com a calma devida. Segue abaixo uma sugestão de coletânea para a sua diversão!

2007-04-13T23:50:00.000-03:00

Banda: Antony and The Johnsons
Canção: The Lake
Site: http://www.antonyandthejohnsons.com

Embora em um primeiro momento possa soar estranha, aos poucos, essa sonoridade te pega pela emoção e quando você percebe está ouvindo pela enésima vez as canções desse grupo nova-iorquino, que é conduzido por Antony (os Johnsons na verdade são um guitarrista, um baixista, dois violonistas e um violoncelista que oferecem, de forma extremamente competente, a base para as viagens sonoras da Antony), um sujeito que é pura androginia e que canta com uma voz que parece não ser desse planeta, voz essa desenvolvida durante as cerimônias católicas do colégio que estudou. Depois de muito peregrinar, aportou em Nova Iorque, e, em 2000, criou o grupo, gravando um disco em 2002. O segundo disco, gravado ano passado, "I Am A Bird Now", é uma obra-prima daquelas para ser consumida aos poucos, em doses homeopáticas. Mas não se preocupem, já que a overdose será o caminho natural. Quanto ao som, eles fazem canções tristes, melancólica, íntimas, puras e belas, tudo isso à base de uma musicalidade extremamente elaborada. Apenas para se ter uma idéia: Lou Reed chorou quando o ouviu cantar pela primeira vez. Não percam de forma alguma.E. T.: A música indicada não faz parte de nenhum dos dois cds, mas sim de um ep, homônimo, de 2004.

2007-04-13T23:47:00.000-03:00

Banda: Blonde Redhead
Canção: U.F.O.
Site: http://www.brh.free.fr/blonderedhead.htm

A banda, originalmente um quarteto, foi formada, em 1993, em Nova York, pelos estudantes de arte japonesa Kazu Makino, Maki Takahashi e os italianos Simone e Amedeo Pace. Quem se atentou para o som do grupo foi o baterista do Sonic Youth, Steve Shelley que produziu e lançou pelo seu selo, o Smells Like Records, o primeiro álbum do grupo, em 1995. Com a saída de Takahashi, o grupo, agora um trio, lançou mais cinco discos nos quais predomina, óbvio, uma influência do Sonic Youth, com dissonâncias, um ruído aqui e outro ali, algumas linhas bem melódicas e a guitarra como base de tudo. Uma coisa bacana é a alternância dos vocais, às vezes, entre Kazu e Amadeo o que oferece algumas surpresas durante as audições. Para conferir essa alternância vá em busca da música (I Am Taking Out My Eurotrash) I Still Get Rocks Off. De primeira!

2007-04-13T23:41:00.000-03:00

Banda: Eskobar
Canção: Beautiful Day
Site: http://www.eskobar.com/

Banda sueca, formada no final de 1996, em uma cidade próxima de Estocolmo, Åkersberga. Executando um som daqueles assobiáveis (ou grudentos, no bom sentido), a banda, seja pelo caminho da melancolia seja pelo caminho de um pop com mais energia, tem como norte a voz suave de Daniel Bellqvist, que dá uma “cara” para a banda. Até hoje foram apenas três cds gravados, “´Til We´re Dead”, de 2000, “There´s Only Now”, de 2002 e “A Thousand Last Chances”, de 2004, que devem ser ouvidos de cabo a rabo.

2007-03-27T06:25:00.000-03:00

JOY DIVISION - CLOSER (1980)
A Carta Musical de Despedida de um (quase) Astro do Rock´n´Roll

Joy Division nasceu Warsaw (nome retirado da música “Warszawa” do álbum “Low” de David Bowie), em Manchester, no ano de 1977, muito embora o embrião da banda tenha surgido um ano antes. Contudo por haver um grupo londrino chamado "WarsawPackt" o grupo resolveu trocar de nome para evitar possíveis confusões. Assim, no início de 1978, e com uma demo com 4 músicas embaixo do braço, a banda troca de nome. O definitivo “Joy Division” veio do título de uma novela chamada "The House of The Dolls", de Karol Cetinsky. "Joy Division" é uma referência aos prédios, nos campos de concentração, onde, durante a Segunda Guerra Mundial, as jovens prisioneiras judias eram forçadas a se prostituírem para os oficiais. Exatamente por isso, a banda foi acusada de estar envolvida com algum movimento nazista, o que, óbvio, gerou alguns problemas e dissabores. Influenciado mais vivamente por Velvet Undergound, Stooges, David Bowie e Kraftwerk e, óbvio, pelo punk, o grupo foi um dos sustentáculos do rock no início dos anos 80. Depois que terminou, gerou o New Order, mas isso não interessa, ao menos aqui. Bernard Sumners (guitarra e teclados), Peter Hook (baixo) e Stephen Morris (bateria), todos comandados pela voz angustiada e pela poesia atormentada de lan Curtis, reproduziam em suas canções a inquietude, o sofrimento, o desespero que pairavam sobre os indivíduos em um mundo miserável, ao menos assim enxergava Curtis. Embora a discografia da banda seja pequena, já que Ian Curtis se matou, aos 23 anos, em 18 de maio de 1980 (às vésperas de uma turnê aos EUA, que poderia firmar definitivamente o Joy Division no cenário internacional), há nela momentos musicais perfeitos. E nada mais perfeito do que a obra-prima “Closer”, a carta musical de despedida de Ian Curtis. Gravado sob uma abóbada de argamassa de pó de mármore, cal, gesso e areia, com a finalidade de obter a ressonância de uma capela, o álbum reproduz uma sonoridade densa, vazia e triste. Importante lembrar que à época o que existiam eram apenas os discos de vinil e suas capas bacanudas. Assim, uma, entre tantas curiosidades do álbum, é a de que ele não deixava claro ao ouvinte qual era o lado A e o lado B. Tanto fazia começar a ouvir o disco por qual lado fosse. A sensação gerada era a mesma. Outra curiosidade é que no encarte do álbum não há qualquer informação sobre a cena lancinante reproduzida na capa, a não ser que a fotografia é de Peter Saville. Escolhido um lado qualquer, o álbum abre, então, com “Atrocity Exhibition", que com sua bateria marcial e guitarra suja anunciava a sonoridade dura, crua e perturbadora a que estaríamos sujeitos a partir dali. Embora o clima inicial da segunda canção, “Isolation”, possa sugerir uma certa alegria a partir do som do teclado (copiado à exaustão por um sem-número de bandas por anos a fio), impera ali uma melancolia profunda, exposta na letra: “Rendido à autodefesa daqueles que só se preocupam consigo mesmos, mas quando a vida alcança a perfeição ela se parece com todo o resto”. Em "Passover", Ian Curtis começa cantando (escrevendo): “Esta é a crise que eu sabia que viria / Destruindo o equilíbrio que eu mantinha / Duvidando e perturbando e invertendo a direção / Imaginando o que virá depois / É este o papel que você quis viver?” para terminar com “Esta é a crise que eu sabia que viria / Destruindo o equilíbrio que eu mantinha / Virando-se para o próximo conjunto de vidas / Imaginando o que virá depois”. Putz, mais claro impossível!!! Ali ele verbaliza a inconformidade com a vida e a sua obsessão pela idéia da morte. Na seqüência vem "Colony", com uma sonoridade um pouco mais pesada e áspera que as anteriores. Nela, é mantida a linha deprê. Em “A Means to End”, ele continua a escrever as palavras de sua carta de despedida "Uma casa em algum lugar em solo estrangeiro / Aonde amantes magoados chamam! / E esta a sua meta, seus objetivos finais / Aonde comem os cães e os abutres? Ainda posso e vou partir/ Eu confiei em você". Repare na dor real contida na voz de Curtis quando ele brada “I put my trust in you”. De f... Virando o vinil, vem “Heart and Soul”, que, sob uma bateria marcial, um baixo seco, uma guitarra quase imperceptível e um sintetizador progressivo, Curtis cospe: "Instantes que podem trair-nos/ Uma jornada que conduz ao sol/ Sem alma e voltado à destruição/ A luta entre o certo e o errado". Sobre a faixa seguinte, “Twenty Four-Hours”, não há o que dizer. Leia a letra e perceba a arquitetura da carta de despedida de Curtis, construída sob uma poesia de extrema qualidade: “Então é isso, a permanência - orgulho estraçalhado pelo amor / E aquilo que uma vez foi inocência, virado e deitado de lado / Uma nuvem suspensa sobre mim marca cada momento / No fundo da memória, aquilo que uma vez foi amor / Oh, como acabei por perceber, como eu queria tempo / Colocado em perspectiva, tão difícil de encontrar, eu tentei / Só por um instante, pensei ter encontrado meu caminho / O destino desdobrado - foi o que vi escorrer do meu alcance / Pontos de luz em excesso, além de todo o alcance / Exigências solitárias por tudo que eu gostaria de guardar / Vamos dar um passeio fora daqui, ver o que encontramos / Coleção sem nenhum valor de esperanças e desejos passados / Nunca imaginei as distâncias que teria que percorrer / Todos os cantos mais escuros de um sentido que desconhecia / Só por um instante, ouvi alguém chamar / Olhei para além do dia, que jazia em minha mão / Não há absolutamente nada por lá... / Agora que percebi como tudo saiu errado / Tenho de achar alguma terapia, este tratamento é muito prolongado / No fundo do coração do lugar onde a simpatia reinava / Tenho de encontrar meu destino, antes que seja tarde demais”. ... A penúltima canção do disco é “The Eternal”, que, apesar de ser uma marcha fúnebre, é a mais bela canção do álbum. Os instrumentos se diluem. As sonoridades se diluem. E Curtis prossegue em sua carta, talvez pressentindo a que seria submetido pouco tempo depois: “A procissão passa, a gritaria se perde / Glória nas alturas aos entes queridos, agora falecidos conversavam aos brados em torno de suas mesas, sentados / Flores espalhadas e lavadas pela chuva”. Tudo termina com “Decades”, e seu teclado hipnótico que nos envolve e nos lança definitivamente para a atmosfera “curtiniana” de angústia, clausura e desalento. Ian Curtis era um sujeito perturbado, depressivo, obcecado com a idéia da morte e que, exatamente por isso, se enforcou. (Tal fato é magistralmente mostrado no filme “A Festa Nunca Termina” (24 Hour Party People), de Michael Winterbottom). Talvez por isso o Joy Division tenha obtido uma dimensão maior. Talvez não. O fato é que ainda que sua obra seja mínima, quantitativamente falando, o Joy Division foi um grupo que marcou seu nome no Rock. Seu peso musical pode ser notado até hoje, vide a influência que o grupo exerce (e exerceu) sobre uma carrada de bandas que fizeram dos passos musicais de Ian Curtis seu norte. Ian Curtis foi gênio. “Closer” foi a obra-prima na qual ele enunciou de forma categórica a tragédia que estava por vir, e da qual ele seria o personagem principal. “Closer” foi sua carta musical de despedida, que o tornou eterno.

2007-03-17T10:20:00.000-03:00

Banda: The Low Frequency in Stereo
Canção: Astro Koop
Site: http://www.lowfrequencyinstereo.com/

Bandaça vinda das terras frias da Noruega, que, infelizmente, descobri há uma semana. Infelizmente porque seu som é urgente, necessário, indispensável. Contando com uma discografia composta por 3 álbuns e 2 eps, o grupo, formado por Per Steinar Lie (baixo e vocal), Ørjan Haaland (bateria, órgão e vocal), Hanne Andersen (trompete, vocal e guitarra) e Njål Clementsen (guitarra), eleva à condição de irrepreensível o “space rock”. A banda faz um som 90% instrumental (poucas são as músicas cantadas) elaborado à base de muita bateria “groovada”* (ok, forcei), baixo seco e intenso, órgão pesado e uma guitarra por vezes “suja”, por vezes lacônica. Para facilitar: seu som é um misto de Stereolab, Doors, Joy Division e Jesus and Mary Chain. Para iniciar o seu deleite o quanto antes, assista ao clipe da canção indicada, “Astro Koop”, linkado abaixo. Caso permaneça passivo, é que você não merece ser engolido pela teia sonora que essa turma da Noruega executa. Além do que, o clipe é uma das coisas mais bacanas que assisti ultimamente. Experimente o “The Low Frequency in Stereo”, e se prepare para uma uma tijolada na vidraça dos seus sentidos!!!

* Pode-se considerar groove o embalo irresistivelmente prazeiroso, que provoca vontade de sacudir o esqueleto.

2007-03-17T06:13:00.000-03:00

Banda: Cold War Kids
Canção: Hang Me Up To Dry
Site: http://www.coldwarkids.com/

Cold War Kids é uma banda da Califórnia, nos Estados Unidos, que descobri há pouco tempo. Antes tarde do que nunca, sentencia o velho ditado. Ainda bem, pois êta bandinha boa!!! Matt Aviero, Matt Maust, Jonnie Russell e Nathan Willett lançaram seu primeiro álbum ano passado, chamado "Robbers & Cowards”. O problema é que após a audição do cd você quer mais, já que considera que apenas 12 canções não são suficientes. Mas a boa notícia é que além do álbum, eles também lançaram 3 eps com seis músicas cada, o que já sacia, ao menos em parte, o vício (sim, você fica viciado) por seu som. Não que eles façam algo de novo nem tenham descoberto uma nova forma de fazer música, mas as composições são excelentes, o instrumental é magnífico, os refrões são grudentos (no bom sentido). Se tivesse que definir seu som poderia se dizer que eles fazem um indie rock setentão, já que há uma influência nítida de Velvet Undeground, Bob Dylan e Billie Holiday (confiram a canção “Passing the Hat” e vejam se ali não há um “quê” “holidayano”). Preparem-se para ser tragado pelo som do Cold War Kids! Para começar, fiquem com o clipe da bela canção "Hospital Beds".

2007-03-17T06:04:00.000-03:00

Banda: The Black Angels
Canção: Young Men Dead
Site: www.theblackangels.com

taí a capa bacanuda do primeiro e, por enquanto, único álbum da banda.

Com o nome retirado da canção “The Black Angel's Death Song”, do álbum “Velvet Underground & Nico”, não é preciso dizer qual a principal influência dessa banda texana. Stephanie Bailey (bateria), Christian Bland (guitarra), Alex Maas (vocais), Jennifer Raines (órgão), e Nathan Ryan (baixo) executam um envolvente neo-psicodelismo sob a influência, também, de outras bandas antigas como 13th Floor Elevators ou mais modernas como Black Mountain ou Brian Jonestown Massacre. Pena que a banda conta apenas com um ep, homônimo, de 2005, e um álbum, "Passover", do ano passado, já que quando se ouve a sonoridade bruta, feroz, dura, abissal construída por riffs de guitarras que se superpõem em camadas e mais camadas, tudo entrecortado pela voz ácida de Alex Maas, o que se quer é que o tempo passe o mais depressa possível para que banda possa gravar mais e mais álbuns e assim saciar nosso desejo por seu som. De quebra, fiquem abaixo com uma apresentação ao vivo do grupo com a canção "First Vietnamese War".

2007-03-05T17:49:00.000-03:00

MUDDY WATERS – ELECTRIC MUD
A reconstrução do blues pela psicodelia como receita para o regozijo.

Muddy Waters, cujo nome verdadeiro era McKinely Morganfield, nasceu em 1915, no Mississipi e começou na música aos 13 anos tocando gaita de boca; ao ouvir os álbuns do mito Robert Johnson, voltou sua atenção ao violão slide e a partir dos 17 anos iniciou sua carreira. Em 1944 “descobre” a guitarra elétrica e a troca por seu violão, assumindo-a enquanto seu instrumento definitivo, sendo um dos responsáveis pela eletrificação do blues. Considera-se que Waters, antes de qualquer artista de renome, foi quem tocou de forma brilhante uma guitarra elétrica, o que acabou inspirando artistas que surgiram depois dele, como Jimi Hendrix, Santana, Keith Richards, entre outros. Sobre sua influência, ela não pára por aí. Os Rolling Stones homenagearam seu ídolo ao adotarem como nome da banda o título de uma de suas canções (o single “Rollin´Stone”, gravado em 1950). Um dos maiores sucessos do Led Zeppelin, “Whole Lotta Love”, foi baseado na canção “You Need Love”. Além disso, vários outros cantores e bandas regravaram uma porção de suas canções bem como foram extremamente influenciados pelo Buda Negro, como o chamava outro rei do blues, B.B. King. “Electric Mud”, gravado em 1968, foi o oitavo álbum de uma extensa discografia. E o que o faz tão especial e único? De cara, como o próprio título indica, há a expectativa de muita guitarra elétrica. O que se confirma. Mas o “muita” nesse caso não tem a ver com a quantidade, mas com a qualidade. E essa guitarra é tocada de forma “suja”, agressiva, exaltada, “violenta”, exatamente pela influência dos arranjos psicodélicos de Jimi Hendrix. Para construir o álbum, Muddy Waters toma canções já gravadas em outros momentos (seja por ele, seja por outros) e as reconstrói, imprimindo um teor psicodélico que transforma as canções em algo melhor do que as gravações originais. De cara, Waters oferece duas canções de outro mestre do blues, Willie Dixon (que já haviam sido gravadas no seu álbum de estréia, "The Best of Muddy Waters", de 1958). Ou seja, um álbum que se inicia com duas canções re-regravadas de Willie Dixon sugere que muita coisa boa pode estar por vir. “I Just Want to Make Love to You” nos arremessa para uma dimensão “hendrixiana”, desde a introdução, o acorde inicial e o primeiro verso. Jimi Hendrix em estado puro servindo de base para uma baita letra de Dixon na qual um homem busca justificar o porque de uma mulher em específico ir se deitar com ele. “I'm Your Hoochie Coochie Man” (que ganhou inúmeras regravações, inclusive com Jimi Hendrix) vem na seqüência, percorrendo o mesmo caminho da anterior, tão intensa quanto. Uma aula de blues elétrico. Ouçam e deliciem-se com os solos. Até aqui duas pauladas na nossa cabeça!!! E para o nosso bem. A terceira faixa é uma gratíssima surpresa. Quando você lê “Let´s Spend the Night Together” nos créditos do álbum, fica a sensação de que se trata de uma canção homônima, já que é meio que impensável imaginar se tratar de uma cover “daquela” canção dos Stones, basicamente por duas razões: primeiramente pelo fato de que a lógica seria a de que os Rolling Stones fizessem covers de Waters, e não vice-versa; em segundo lugar, a canção havia sido gravada em 1967, no álbum “Between the Buttons”, ou seja, além de ser recente, já estava devidamente registrada com a marca dos Stones (essa moda de “coverizar” tudo quanto é música é algo mais recente). Mesmo assim, Waters mete a mão na guitarra e a reescreve, de forma bem peculiar, tocando-a, cantando-a, levando-a em um ritmo um pouco mais lento do que a original. Genial! “She´s Alright” (composição do próprio Waters, gravada originalmente no álbum “More Real Folk Blues”, de 1967) é uma porrada sonora de mais de seis minutos e meio (muito mais do que seus 2:27 originais). Blues em sentido pleno, construído por uma guitarra avassaladora, que preenche toda e qualquer lacuna possível existente naquele espaço de tempo. E os solos? Pelamordedeus!!! O álbum poderia terminar aqui. Já estaria de bom tamanho. Afinal, após a audição dessas canções uma sensação de regozijo irá tomar conta de você. Porém há mais: uma regravação para uma das canções de blues mais legais, mais marcantes e mais regravadas de todos os tempos: "Mannish Boy" (que mereceu até uma gravação /tradução nacional feita pela banda “Made In Brazil”, chamada de “Mexa-se Boy”). O famoso “Oh Yeah” original de abertura é mantido. Porém, a bateria que seguia o riff de guitarra na versão original é substituída por outra, mais intensa, mais pesada, mais “rocker”, o que oferece à canção como um todo um vigor muito maior. Versão definitiva! Depois que a ouvi, a original (que ainda é sensacional) parece fraca, franzina, insossa, até. Essa é daquelas canções para se ter em qualquer coletânea de bom gosto. A canção seguinte é um clássico do R&B, composto por Sidney Barnes e Robert Thurston. Com uma introdução matadora, "Herbert Harper´s Free Press News" transformada em um explosivo rock and roll, mantém sua pegada do começo ao fim, contribuindo para a qualidade de exceção que o álbum “Electric Mud” contém. O álbum chega ao fim com mais duas “covers”: “Tom Cat”, de Charles Williams, e “The Same Thing”, também de Willie Dixon, duas excelentes canções, que encerram um álbum perfeito, construído de forma concisa, sem arestas, sem excessos. “Eletric Mud” é blues-psicodélico que te conduz para um éden sonoro, do qual, uma vez alcançado, não se pode voltar. Recomendo uma dose de “Electric Mud” todos os dias, pelo resto de suas vidas. Para o seu bem.

2007-03-03T05:38:00.000-03:00

Banda: Dresden Dolls
Canção: Sex Changes
Site: http://www.dresdendolls.com

Dupla da cidade de Boston (terra do Pixies) que mistura piano, cabaré, Brecht e uma pitada de gótico, e que auto define seu som como “brechtian punk cabaret”. Formada por Amanda Palmer (piano e voz) e Brian Viglione (bateria), o Dresden Dolls gravou dois cds até aqui: “The Dresden Dolls”, de 2003, e “Yes Virginia”, de 2006. Se vocês quiserem um som novo sem ser chato, essa dupla pode te satisfazer. Se puder/quiser, vá à cata da versão que a dupla fez de War Pigs, do Black Sabbath, em um show na sua cidade natal. De primeira! Para facilitar, assitam à versão no link abaixo.

2007-03-03T05:14:00.000-03:00

Banda: Kaiser Chiefs
Canção: Heat Dies Down
Site: http://www.kaiserchiefs.co.uk/

Banda inglesa da cidade de Leeds, formada em 2003, que roubou seu nome de um time de futebol sul-africano. Composta por Ricky Wilson (vocais), Andrew White (guitarra), Simon Rix (baixo), Nick Baines (teclados) e Nick Hodgson (bateria), a banda faz uma mistura do espírito “mod”, particularmente do The Jam, mais a sonoridade do pós-punk, o que resulta em um som muito agradável para quem curte um rock com elementos pop. Após o regular "Employment", de 2005, a banda acabou de lançar seu novo álbum, chamado "Yours Truly, Angry Mob". Embora eu não o tenha ouvido com a calma devida, o álbum parece bem mais encorpado que o primeiro, o que significa muita coisa, como poderão perceber pela canção indicada. Em tempo: os clipes dos caras também são muito legais, como o de “I Predict Riot”, linkado abaixo.

2007-02-14T16:24:00.000-02:00

PIXIES - DOOLITTLE (1989)
Perfeição Multifacetada em Forma de Pop Rock (mais rock do que pop)

Como a grande maioria que curte música sabe, não teria existido Nirvana sem o Pixies. Senão vejamos. Kurt Cobain certa vez revelou: Eu tentava escrever a canção pop por excelência. Mas que nada, na verdade tratava de roubar coisas do Pixies. Tenho que admitir. A primeira vez que escutei a banda, me senti tão identificado que achava que deveria fazer parte dela ou, pelo menos, de uma banda que fizesse covers do Pixies. Com o Nirvana, tomamos seu sentido e dinâmica: uma parte suave e tranqüila e outra forte e potente. Isso bastaria para qualificar o status do Pixies como uma das mais geniais bandas desse planeta. Mas há muito mais, como por exemplo, o fato de o Pixies ter gravado excelentes álbuns, repletos de guitarras ligeiras, melodias grudentas e letras bem construídas. Formado por Black Francis, que respondia pelas guitarras e vocais, Joey Santiago, o outro guitarrista, e mais a baixista Kim Deal e o baterista David Lovering, o Pixies gravou excelentes álbuns, executando uma sonoridade que misturava elementos do punk rock, surf music, noise guitar e pitadas pop. Fiquemos, então, com “Doolittle”, a obra-prima do Pixies, na minha modesta opinião. Lançado em 1989, pelo selo inglês 4AD, o álbum trazia como temas principais a violência, a dor e a rejeição, tendo como norte musical um som limpo, simples e extremamente melódico. O álbum começa com “Debaser”, totalmente inspirada no filme “Um Cão Andaluz” (Un Chein Andalou), de Luís Buñuel e Salvador Dali (aquele filme que tem a famosa cena de uma navalha cortando um olho, que é de arrepiar). Ali, sob um baixo e um riff de guitarra soberbos, mais o vocal amalucado de Francis, o cantor relata a experiência de ter assistido o tal filme de Buñuel: "Fatiando os globos oculares... ha ha ha ho! Não sei de você, mas eu sou um 'chien andalusia'. Quero crescer para ser um perversor." Na seqüência vem “Tame”, mantendo o mesmo pique que a anterior. Baixo e vocais de enlouquecer, com Francis e Deal gemendo, culminando num orgasmo ruidoso. Confira! É exatamente isso que acontece ali. A terceira música, “Wave of Mutilation”, retrata uma situação que acontecera no Japão alguns anos antes: um número significativo de empresários de sucesso se matou com a família, dirigindo o carro em direção ao mar, devido à vida estressante do mundo urbano. Saquem a letra: “Paro de resistir e me despeço, dirijo o meu carro rumo ao oceano, vocês pensarão que estou morto mas eu velejo para longe numa onda de mutilação, numa onda, numa onda”. São poucos mais de 2 minutos de puro brilhantismo rock. O que comprova que não se precisa de muito tempo para expressar qualidade, e isso o Pixies sempre teve de sobra. São três musicaças!!! E isso é apenas o começo do álbum!!! Na seqüência vem “I Bleed”, que começa com um baixo e uma guitarra despretensiosos para ir ganhando força até explodir em um todo conexo e vibrante. Mais uma vez a poesia – singular – de Black se faz presente "Alto feito o inferno, um sino toca atrás do meu sorriso, sacode meus dentes e, esse tempo todo, enquanto os vampiros se alimentam, eu sangro". O interessante dessa música é acompanhar o vocal de Kim Deal sob o de Francis, em alguns momentos não sincronizados, o que torna a canção mais legal ainda. “Here Comes Your Man” é sinônimo do que uma canção guitarra/baixo/bateria deve ser. Ela pode ser considerada um modelo de como se faz uma excelente canção porp rock. O que sei é que é outra canção do cacete. “Monkey Gone to Heaven” (para mim, a mais legal do álbum) é formada por um refrão ganchudo, sendo extremamente melódica, composta por celos, pelos backing vocal de Kim Deal e por uma letra do caramba, que fala sobre natureza, numerologia e apocalipse. Logo em seguida vem um ska/rockandroll “duca”, divertidíssimo: “Mr. Grieves”. Haja fôlego! E quando se pensa que as coisas poderiam começar a decair, há mais 7 músicas da melhor qualidade. Para ficar com algumas: “La La La Love You” é uma canção idiota (propositalmente) sobre o amor idiota, que começa com uma bateria vigorosa para dali seguir um riff de guitarra e um despretensioso assobio, tudo extremamente grudento e delicioso; “Hey” (que tem um dos baixos mais legais de TODOS OS TEMPOS) na qual um Black Francis canta “Hey, venho tentando te encontrar, hey tem que ter um demônio entre nós, ou vadias na minha cabeça, vadias na minha porta, vadias na minha cama mas hey onde você esteve, se você for, com certeza eu morrerei, estamos acorrentados”. O álbum termina com “Gouge Away”, uma versão “pixiana” para a história de Sansão e Dalila. Eu poderia passar mais linhas e linhas escrevendo sobre Doolittle. Porém, penso que já é um bom começo para você ir atrás desse álbum, que até hoje, 17 anos depois, é motivo de norte, inspiração, cópia etc para uma grande geração de bandas. Caso queira montar uma banda, ouça Dollitle e a monte (ou desista da idéia logo depois).

2007-02-12T15:42:00.000-02:00

Banda: Zefirina Bomba
Canção: Alguma Coisa Por Aí
Link: My Space

Caso queiram adotar uma banda nacional nesse início de ano sugiro que fiquem com o Zefirina Bomba. Até aqui, não ouvi, em termos nacionais, nada que chegasse próximo ao som que esses paraibanos fazem. ZB é um trio cheio de energia que metralha muito rock and roll (punk, hardcore e surf music) em volume bem alto com pitadas de sons regionais. Músicas curtas (algumas com menos de 1 minuto) e letras coesas compostas sob medida para a sua diversão. O título de seu primeiro cd, lançado pela Trama Virtual, dá pistas sobre sua sonoridade: Noisecoregroovecocoenvenenado. Formada por Ilsom (viola distorcida – adaptada para ser usada com seis cordas e captação de guitarra), Edy (baixo) e Guga (bateria), o Zefirina Bomba te cativa de imediato, à primeira audição do álbum. De acordo com o release da banda, suas influências vão de Stooges à Nirvana, passando por João Cabral de Melo Neto, Jimi Hendrix, Mutantes, Tom Zé, Syd Barrett e Glauber Rocha. “Alguma coisa por aí”, faixa que abre o álbum, é puro Jon Spencer Blues Explosion com Dead Kennedys. A faixa instrumental “A Outra Trilha de Sumé” é Dick Dale incorporando Kurt Cobain. “O que ela tem” é Stooges em estado bruto! “Dia Inteiro” é mistura de Sonic Youth com o repente nordestino, como você pode conferir aqui. Contudo a faixa que mais represente a sonoridade do Zefirina Bomba é “Enquanto Otacílio Batista Explicava...”, que fecha o álbum. Começa com uma viola caipira para ser transmutada em um vigoroso punk-rock executado à toda força. Alguns podem achar que a fórmula rock+música regional não é algo novo, que está gasto, que não gera mais aquela sensação de novidade. Bobagem! Os paraibanos “amalucados” do Zefirina Bomba mostram que quando se tem competência e tesão pela música qualquer combinação pode soar original e agradável. E. T.: o nome do grupo vem de uma lavadeira de Catolé do Rocha (interior da Paraíba) que foi brindada com o apelido de Bomba por causa das batidas que dava com as roupas molhadas nas pedras do rio. Até nisso os caras foram felizes.

2007-02-11T06:35:00.000-02:00

01 – Sala Especial – Phonorama
02 – Walter Franco – Canalha
03 – Vulgue Tostoi – Impaciência
04 – Arnaldo Antunes – Dia 36
05 – Karnak – Faixa Oculta
06 – Sepultura – Polícia
07 – Ira! – Você Não Sabe Quem Eu Sou
08 – Nação Zumbi – Propaganda
09 – Maurício Pererira – 1 Reggae
10 - Ludov - Da primeira vez
11 - Egard Scandurra – 1978
12 - Toni Platão - Namoradinha De Um Amigo Meu
13 - Pavilhão 9 - Trilha do Futuro
14 - Zeca Baleiro - As Meninas dos Jardins
15 - Mulheres Negras - Common Uncommunicability
16 - Violeta de Outono - Sombras Flutuantes

TRILHAS SONORAS DE FILMES QUE NÂO EXISTEM

2007-02-11T06:34:00.001-02:00

Moçada,

há uns 3 anos atrás quis dar de presente a um casal de amigos uma coletânea de músicas diversas. Porém, não queria pura e simplesmente juntar músicas em um cd e entregá-lo. Daí veio a idéia de fazer com que aquelas músicas fizessem parte de uma trilha de um filme, óbvio, de uma trilha de um filme que não existisse. A partir disso criar trilhas sonoras de filmes que não existem se tornou uma espécie de hobby no qual eu debruçava uma boa parte do meu tempo livre, já que, além de selecionar as músicas eu criava o nome do filme, a capa, a contra-capa etc. Sei que soa meio maluco mas juntar trabalho gráfico com música, ao menos para mim, foi (é) uma das coisas mais divertidas que se pode fazer. Dessa forma, resolvi compartilhar com vocês alguns desse “filmes”. A partir de hoje, além dos textos de costume, estarei, sempre que possível, disponibilizando a capa do cd do “filme” mais a seleção das músicas referente à sua trilha sonora. Caso curtam, montem também as tais trilhas para vocês.

Abraços!

Alexandre

2007-02-06T15:38:00.000-02:00

Banda: Slint
Canção: Good Morning, Captain
Site: http://www.slint.us/

Tudo o que você deve saber sobre o Slint – Parte Única
Trata-se de uma banda americana (que nasceu do que sobrou da banda Squirrel Bait) que durou míseros cinco anos, de 1987 a 1992, o que significa que poderiam ter feito mais, muito mais. Pior para nós. Formado por Brian McMahan [guitarra/vocal] e Britt Walford [bateria], somados a David Pajo [guitarra] e Ethan Buckler [baixo], o grupo foi um norte para uma batelada de bandas surgidas nos pós 1990, principalmente para as do movimento grunge. Curiosamente, o Slint acabou não tendo o sucesso merecido devido à extrema exposição do “som de Seattle” que dominou a primeira metade dos anos 90. A banda gravou apenas dois cds, porém, duas maravilhas sonoras: “Tweez”, de 1989, e a obra-prima “Spiderland”, de 1991. O som da banda, que, aparentemente, mostra-se desconexo, é limpo, denso, complexo, perturbador, angustiante, sombrio, progressivo, psicodélico, experimental, repleto de andamentos pouco convencionais, alterações no volume das músicas, vocal constituído por sussurros, que se transformam em falas, que por sua vez se irrompem em berros tresloucados e agonizantes (confiram a canção indicada), enfim, um caos sonoro, mas não no sentido negativo que esse termo possa ter. Apenas para se ter noção da originalidade da banda, uma de suas marcas foi nomear as faixas do primeiro álbum com o nome de parentes ou de animais de estimação do pessoal do grupo, o que fez com surgissem faixas como “Ron”, “Carol”, “Warren”, “Pat” etc. Importante ressaltar que esse álbum foi produzido por Steve Albini (que entre outras maravilhas tem em seu currículo a produção dos álbuns “Surfer Rosa”, do Pixies, e “In Utero”, do Nirvana). A música indicada é a última do segundo e último disco do Slint, a já citada obra-prima “Spiderland”, uma porrada sonora de seis faixas, distribuídas em menos de quarenta minutos, que te cata, te põe do avesso, e torra teu cérebro, que fica à mercê em rodopio. Nessas você não tem para onde correr – e nem vai querer.
Tudo o que você deve saber sobre o Slint – Apêndice
Trata-se de uma banda americana que anunciou sua volta, 14 anos depois, o que significa que poder fazer feito mais, muito mais. Melhor para nós.

Os caras do Slint, ainda jovanotos.

2007-02-06T06:24:00.000-02:00

Banda: Bright Eyes

Canção: The Calendar Hung Itself
Site: http://www.thestoryinthesoil.com/

O prolífico prodígio Conor Oberst.

O Bright Eyes é uma banda de um homem só, no caso Conor Oberst, de 26 anos, que tem gravado desde os 14 (!!!). Natural de Nebraska, Conor começou tocando na banda “Commander Venus”, que gravou dois álbuns. O início do Bright Eyes se deu em 1997, com o ep Bright Eyes/Squad Car 96. Dali pra cá foram mais de 60 (!!!) obras (entre no site do cara e confira), entre cassetes, álbuns, eps e compilações, coisa que gente que está na estrada há mais de 30 anos jamais produziu. E o melhor de tudo é que nesse caso a quantidade não é inversamente proporcional à qualidade, muito pelo contrário. O cara é bom. Muito bom, diga-se. Alternando suas composições entre lindas baladas folk e um som, digamos, mais furioso, com pitadas de pop, Conor Oberst, vulgo Bright Eyes, toca instrumentos diversos e escreve letras de arrepiar a alma. Veja um trecho de “Lua”, do álbum “I'm Wide Awake, It's Morning”, do ano passado: “Quando tudo se torna solitário eu posso ser meu próprio melhor amigo. Eu pego um café o jornal, eu tenho minha própria conversa. Com a calçada e os pombos e meu reflexo na janela. A máscara que eu poli à noite de manhã parece lixo”. O que dizer? Não há como se sentir indiferente diante das canções do cara. Som para a vida toda. De quebra, um vídeo no You Tube da canção “Arienette” e uma sugestão de coletânea. Divirtam-se!!!

2007-02-05T17:22:00.000-02:00

Cantor: Thom Yorke

Canção: Analyse
Site: http://www.theeraser.net/Stage3UK/

Graças às "boas casas do ramo", em junho do ano passado, eu consegui o primeiro álbum solo do Thom Yorke, “The Eraser”. Não quis esperar para comprá-lo, afinal as lojas brasileiras, via de regra, demoram um tempão para colocar no mercado as coisas boas da música gringa. No caso de “The Eraser”, salvo engano, até hoje não foi lançado no Brasil e sabe-se lá quando (e se) será lançado. Sorte que ganhei de Natal da minha esposa o cd importado. Presentaço! (Valeu Nani!) Enfim, naquele momento, por estar na fase final de minha tese, ouvi o cd mas sem muita atenção. Deixei-o na minha pasta de “Melhores” para ouvi-lo posteriormente, coisa que não fiz. Passados alguns meses fui assistir ao sensacional “O Grande Truque” (The Prestige), de Chistopher Nolan. Assim que começam os créditos finais, surge uma voz conhecida, reconhecida primeiramente pela minha esposa: Não é o Thom Yorke? Era. E a música era uma beleza! Chegando em casa, fui à caça da tal música e a ouvi com a calma devida. Perfeita! A partir dali é que fui ouvir o cd da forma que ele merece ser ouvido. Produzido por Nigel Goodrich (responsável pela obra-prima Ok Computer), "The Eraser" poderia soar apenas como um disco eletrônico. Mas não. É um misto de rock, eletrônico e progressivo. Claro que ali podem ser encontrados ecos de “Kid A”, “Amnesiac” e “Hail to the Thief”, os álbuns menos rock and roll do Radiohead. Mas reduzi-lo a um álbum de música eletrônica, embora as guitarras sejam raras, é desmerecer sua qualidade. Intimista, melódico, baixo, aflitivo, intenso, belo, “The Eraser” é composto por camadas eletrônicas, ruídos que “sujam” as canções, sons secos, teclados econômicos, tudo costurado por uma textura minimalista, a servir de pano de fundo para letras ora paranóicas ora tristes, mas sempre explícitas do autor Thom Yorke. Por exemplo, o título de uma das canções “Harrowdown Hill” é o nome do lugar no qual o cientista David Kelly, opositor das políticas de Tony Blair em relação às armas de destruição maciça, teria, supostamente, se suicidado. Um aviso: não queira comparar “The Eraser” com qualquer outro disco do Radiohead. Não há como. Esse é um disco autoral, criado, modelado e executado por Thom Yorke. Caso o faça, você não estará suscetível para incorporar toda a qualidade de um álbum que merece estar no lugar de “melhores” seja da sua cdteca, seja do seu computador. Mais uma vez, esse inglês nos abençoa com a melhor música que seja possível ouvir - e sentir.

2007-02-05T15:21:00.000-02:00

Banda: The Who
Canção: Who Are You
Site: http://www.whoby.blogspot.com/

O The Who foi formado em 1964, em Londres, e se constitui em uma das bandas mais competentes de rock and roll já surgidas. Contando com um excelente guitarrista - Pete Townshend - e um espetacular e desequilibrado (no bom sentido) baterista - Keith Moon, somados à voz e guitarra de Roger Daltrey e ao baixo de John Entwistle (essa é a formação clássica da banda), a banda é item essencial para qualquer um que curte Rock and Roll de primeira. Surgida ao mesmo tempo do movimento “mod”, o The Who ficou marcado como uma das bandas representantes desse movimento. Mas claro que seu som vai muito além disso. Uma das singularidades do grupo foi a de popularizar a ópera rock, com “Tommy”. Uma outra curiosidade: quem popularizou a destruição de guitarras ao final do show (o que mais tarde iria se tornar um clichê) foi Pete Townshend. Dinâmico, agressivo, arrebatador: assim pode ser resumido o som do The Who. Ah! Mais uma curiosidade: a trilha de abertura do seriado C.S.I. (exibido pela Sony e na tv aberta pela Record) é a canção "Who Are You", umas das mais legais do grupo. Segue abaixo uma sugestão de coletânea para quem quer se iniciar no som da banda. Bom divertimento!!!

2007-02-05T15:14:00.000-02:00

Grupo: Band of Horses
Canção: Wicked Gil
Site: http://www.bandofhorses.com/

Embora tenha Seattle a e o selo Sub Pop como algo em comum com Pearl Jam, Nirvana e Soundgarden, a semelhança não passa disso. Em primeiro lugar porque o Band of Horses é uma dupla, formada por Bem Bridwell e Mat Brooke. E em segundo lugar, porque contrariamente ao som pesado dos seus conterrâneos, seu som repousa em um indie rock, por vezes melancólico, por vezes agressivo, claramente influenciado por Flaming Lips e principalmente Neil Young (na canção indicada, linkada no You Tube, isso fica óbvio). A banda estreou em cd neste ano, com o – excelente - álbum “Everything All The Time”, que conta com um pouco mais de 35 minutos, porém suficientes para gerar uma grande satisfação após sua audição. Vale uma conferida com o cuidado devido.

2007-02-05T15:02:00.000-02:00

Grupo: Brian Jonestown Massacre
Canção: Hyperventilation
Site: http://www.brianjonestownmassacre.com/

Grupo norte-americano, da Califórnia, liderado pelo amalucado vocalista Anton Newcombe, que traz em seu nome uma homenagem explícita ao falecido guitarrista dos Rolling Stones, Brian Jones (que morreu afogado de forma acidental na piscina de sua casa, sob efeito de drogas e bebidas). Uma banda que tem músicas chamadas “Johnny Marr is dead”, “David Bowie”, “Prozac vs. Heroin” não pode não ser boa. Não há como. A canção indicada é do primeiro disco dos caras, de 1995, chamado “Methodrone”, uma paulada sonora de quase 10 minutos!!! Rock and Roll puro!!! (Nessas horas, após mergulhar em um som feito esse, fico pensando nas pessoa que gostam de coisas como “Babado Novo” e adjacências. Será que eles já ouviram música suficiente na sua vida para ter o poder de discernir sobre o que é - boa - música e o que não é???) Encerro esse post ressaltando que essa banda é ESSENCIAL para quem curte rock and roll - NÃO DEIXE DE OUVIR SEU SOM!!! - e deixando um trecho de um depoimento de uma garota, capturado de um blog, que assistiu a um show dos caras nos EUA: “Nem tenho palavras pra descrever a experiência rock’n roll na veia, do caralho, alucinante, muito bom, muito bom. Já se passaram três dias e eu me pego pensando no show no meio do dia, pensando nas letras, nas coisas que eu pensei enquanto tava vendo aquele show. Sou uma pessoa com uma outra compreensão de música, de arte, de loucura, bem e mal. Mudou o foco das coisas, mudou o foco das pessoas. E queira Deus que todo mundo possa sentir isso, nem que seja uma só vez”. Putz... Tá esperando o quê para ir atrás da banda???

Taí o grupo, mostrando que é unido, até depois de encher a cara.

2007-02-05T14:54:00.000-02:00

Banda: Secret Machines
Canção: Daddy's In The Doldrums
Site: http://www.thesecretmachines.com

Brandon Curtis, Benjamin Curtis e Josh Garza formam essa banda texana que faz um som que estilhaça os sentidos a cada audição. Se se faz necessário um rótulo: indie-neo-psicodélico-experimental. Melodias sensíveis, riffs magníficos (prontos para serem “chupados” por alguma banda) e um ritmo invejável, algo do tipo “se eu tivesse uma banda, queria tocar assim”. Na falta disso, aumentem o volume das caixas de som para poder assimilar todas as notas que saem dos instrumentos e vozes dessa banda. São pessoas como esses caras que estorvam a desfaçatez da música, e por extensão da vida. Além da indicada, aproveitem e ouçam também “You Are Chains” e “Leaves Are Gone”, duas pauladas para qualquer coração seja fraco ou seja forte.

2007-02-04T16:05:00.000-02:00

Cantor: Joey Ramone
Canção: Don´t Worry About Me
Site: http://www.joeyramone.com/

Há certas pessoas sobre as quais não há muito o que se dizer. Basta apenas seu nome para que imediatamente se saiba o que ela foi/é. Joey Ramone é uma dessas pessoas. Eu poderia escrever algumas coisas que poucos sabem, como por exemplo, que ele nasceu em 1951 e que seu nome verdadeiro era Jeffrey Hyman, que ele era fã dos Beatles, que o nome de sua banda era uma homenagem a Paul McCartney, o qual usava esse nome para se hospedar em hotéis, na época da beatlmania, ou uma ou outra coisa mais específica, já que, óbvio, há várias especificidades sobre o indivíduo Jeffrey. Porém, para o mundo, para os amantes da música, para os dependentes do Rock, o que importa realmente é que ele foi co-fundador da maior banda punk de todos os tempos: Ramones. Isso é muito. O resto é resto. O resto não importa, não tem qualquer relevância. Ah! Uma coisa outra coisa importante, sim. Ele morreu, em 2001, com 49 anos (novo pra caramba), vítima de câncer linfático. Dessa forma, se fosse possível esquematizar a vida de Joey Ramone, a coisa seria mais ou menos assim:
Nascimento: 1951 => RAMONES: Rock and Roll => Morte: 2001 => Lacuna: Eterna.

Capa do único álbum solo de mr. Jeffrey Hyman.

2007-02-04T07:03:00.000-02:00

Esse é o terceiro disco da banda paulistana, que tem em sua formação Nasi (voz), Edgard Scandurra (guitarra e voz), Ricardo Gaspa (baixo) e André Jung (bateria). Gravado entre o fim de 1987 e começo de 1988, certamente é o melhor de todos os álbuns que o Ira! fez até hoje (embora tenha sido um dos mais incompreendidos e um fracasso de venda). Lançado após o sucesso de "Vivendo e Não Aprendendo" (esse sim, o disco mais vendido da banda, e que contava com canções como "Flores em Você" – que foi tema de uma novela da Rede Globo - "Envelheço na Cidade", "Dias de Luta" entre outras), o álbum "Psicoacústica" representou um giro de 180 graus e um enorme salto de qualidade e - principalmente - de versatilidade da banda. O próprio título dava pistas do que se poderia encontrar ali. Em "Psicoacústica" é que se encontram os primeiros flertes do Ira! com uma base mais eletrônica (que influenciou o trabalho solo de Edgard Scandurra e alguns álbuns posteriores da banda), misturada ao vigor de guitarras mais pesadas com elementos de percussão e violões. Além disso, há um grande amadurecimento em relação ao conteúdo das letras. O disco, ainda lançado à época do vinil, contém apenas 8 músicas que ocupam um pouco mais de meia hora, suficientes para construir um largo sorriso de satisfação após sua audição. É desse álbum uma das melhores canções do grupo (senão a melhor), "Rubro Zorro", que possui como ponto central a história de vida do Bandido da Luz Vermelha, um famoso marginal paulistano da década de 60. A canção, intensa pra caramba, e que apresenta samples do filme “O Bandido da Luz Vermelha”, de Rogério Sganzerla, se constitui em um vigoroso rock´n´roll costurado por violões no estilo flamenco. Nela o Ira! canta os possíveis desequlíbrios que podem advir a partir da influência de bens de consumo pelos meios de comunicação. "O caminho do crime o atrai como a tentação do doce. Era tido como um bom rapaz, o bom homem mau". Há ainda o visceral e paranóico "Manhãs de Domingo", a militante "Pegue Essa Arma", o samba/rap/punk/psicodélico "Advogado do Diabo", todo pontuado por uma percussão de pandeiro(!), as ácidas "Poder, Sorriso, Fama" e "Receita Para se Fazer um Herói". Como se não bastasse há o pop rock "Farto do Rock and Roll", uma canção desafogo, que critica a saturação do rock nacional dos anos 80 e justifica a busca por "outros sons, outras batidas, outras pulsações" a que o grupo de propôs. O disco termina com "Mesmo Distante", uma belíssima balada folk, uma das mais bonitas canções do Ira!. Psicoacústica é um álbum para ser ouvido com calma, saboreado, digerido, e não apenas uma única vez. Disco essencial, o principal da discografia do Ira! e um dos mairoes da história do rock nacional.
_________________________________________________

Psicoacústica/1988/WEA
1. Rubro Zorro
2. Manhãs de domingo
3. Poder, sorriso, fama
4. Receita para se fazer um herói
5. Pegue essa arma
6. Farto do rock n'roll
7. Advogado do Diabo
8. Mesmo distante

________________________________________________

2007-02-03T16:23:00.000-02:00

Banda: Wolfmother
Canção: Colossal
Site: http://www.wolfmother.com/2005.html

Não se deixe enganar pela capa!

BANDAÇA que vem vem de Sydney, Austrália, formado por Andrwe Stockdale (vocal e guitarra), Chris Ross (baixo e teclado) e Myles Heskett (bateria). Após dois eps, o Wolfmother chegou ao primeiro álbum no ano passado. Talvez se vocês fossem se guiar pela capa, poder-se-ia sugerir uma banda de metal épico. Mas não mesmo!!! O que se tem ali é música firme, forte, certeira, repleta de referências setentistas de Black Sabbath, passando por Led Zeppelin e chegando mesmo até o progressivo Jethro Tull. O que se tem ali é rock and roll puro e cristalino. O que se tem ali é regozijo condensado pronto para explodir à cada audição. Fiquem com uma apresentação ao vivo da banda (DE ARREPIAR!!!) tocando a música indicada.

2007-02-03T16:04:00.000-02:00

Banda: Lift to Experience
Canção: Falling From Cloud 9
Site: http://www.bellaunion.com/artist.php?artcode=lifttoexperience

Falar do Lift to Experience significa falar de Josh T. Demons, líder, vocalista, guitarrista e compositor da banda, considerado um gênio musical, que compôs um dos principais discos já feitos nesse planeta (que eu colocaria numa lista dos 10 maiores), e que hoje limpa banheiros e toca country music em bares de “quinta”. O fato é que o cara pirou e recolheu sua genialidade para si, assim como fizeram dois grandes nomes da música: Syd Barret e Brian Wilson. A coisa toda foi essa: “The Texas-Jerusalem Crossroads”, de 2001, seria a primeira parte de um total de três “sinfonias”, denominadas assim por Josh. Desnecessário dizer que as duas partes seqüentes dessa trilogia nunca foram feitas. Nesse primeiro trabalho, absolutamente tudo, desde as letras até cada nota, foi planejado e composto por Josh. "The Texas Jerusalem Crossroads" é um disco deliciosamente estranho. Da fotografia da capa (onde três tipos com ar de cowboys surgem enquadrados por uma moldura cinzenta, que se assemelha bastante à fivela de um cinto de cowboy), passando pelo tipo de escrita, em que as narrativas da bíblia são transportas para o imaginário texano (Josh dizia que "The Texas...” era uma história do fim do mundo onde a terra prometida seria o Texas), culminando na complexidade de influências como Jeff Buckley, The Smiths, Radiohead, Mogwai, Leonard Cohen. Tudo isso faz desse disco um item essencial aos seus ouvidos e ao seu coração. Indiquei uma canção, mas esse cd é daqueles que você tem ouvir na íntegra, com calma, saborear cada nota, cada acorde, cada palavra, cada silêncio. Se você fizer isso, as onze canções desse álbum – que é duplo - farão você se sentir uma pessoa melhor, irão te confortar. Além disso, vão te fazer pensar: “Por que não existe mais gente feito Josh T. Pearson?”

2007-02-03T15:56:00.000-02:00

Banda: Messer Chups
Canção: Fantomasofobia
Site: http://www.messerchups.ru/

Não se sabe de onde esses figuras vêm, se da Alemanha, da Rússia, da Hungria ou de outro lugar. Também não importa. O que vale, na verdade, é que eles fazem uma deliciosa sonoridade jogando no mesmo caldeirão surf rock, rockabilly, áudios de filmes trash, um teremim e outras coisas estranhas. O resultado, conduzido pelo multi-instrumentista Oleg Gitarkin e por Annette Schneider, é uma singular doideira sonora que garante bons minutos de diversão. Para vocês terem uma idéia do que se passa na cabeça dos dois, entre no site. Diversão garantida!!!

2007-02-03T08:38:00.000-02:00

FUNKADELIC - MAGGOT BRAIN (1971)
Equilíbrio exato entre o funk e a psicodelia.

Conheci o som do Funkadelic através do meu amigo/irmão Helton, de Sampa (que possui um blog bem legal). Até então, o que eu conhecia de funk resumia-se a James Brown, ao grupo War, por conta dos álbuns gravados com Eric Burdon e a uma ou outra trilha bacanuda dos anos 60 e 70, como “Shaft”, do Isaac Hayes. Tirando isso, ouvia uma ou outra coisa, mas sem muita atenção. O dia em que ouvi o álbum “Maggot Brain” passei a respeitar e a querer entender muito mais de funk e soul, tal a pancada que levei na minha área de associação sensorial a partir da audição do álbum. Porém, antes das impressões acerca do mesmo, faz-se necessário entender um pouco mais sobre a figura central envolvida no Funkadelic: George Clinton (tão genial quanto os já citados James Brown e Isaac Hayes). Tudo começa quando ele deixa a vida de cabeleireiro em Nova Jersey para tentar a carreira musical. O início foi com um grupo chamado Parliament (que originalmente se chamou The Parliaments, e possuía uma inspiração no clássico The Tempations), que durou 10 anos, de 1970 a 1980 e rendeu 11 álbuns da melhor qualidade, com destaque para “Osmium” e “Mothership Connection”. Contudo, o Parliament executava um funk no sentido mais tradicional, mais dançante. Querendo experimentar, o multi-meios George Clinton resolveu pegar a turma do Parliament (até mesmo pelo processo que a empresa de cigarros Parliament moveu contra George, por não querer estar associada a um grupo de soul music) e formar um outro grupo, com o nome de Funkadelic, no qual eles teriam uma possibilidade muito maior de experimentar (leia-se introduzir em suas músicas elementos psicodélicos). Após dois discos gravados em 1970, “Free Your Mind... And Your Ass Will Follow” e “Funkadelic”, em 1972 veio a obra-prima “Maggot Brain”, com apenas sete faixas, mas que se constitui em uma aula de black music, mas não só. Ali se misturam soul, funk, gospel, hard rock e psicodelia, demonstrando uma sucessão vertiginosa de ritmos que somente atestou a categoria do grupo. O álbum abre com uma das minhas canções preferidas não apenas do Funkadelic, do soul, do r&b, mas da música como um todo. A faixa que leva o nome do álbum (que se inicia com uma breve narração sobre a Terra), é uma viagem lisérgica-melancólica do guitarrista Eddie Hazel, de 10 minutos e 19 segundos, gravado em um único take, bom que se diga, que te abduz sem pena. Tenho certeza que você vai colocá-la para tocar várias vezes tal a forma como ela te atinge no peito e no espírito, te deixando à mercê daquelas fascinantes notas. Na seqüência vem “Can You Get to That”, que começa acústico para se transformar em um funkaço de primeira, daqueles que TEM que estar em qualquer coletânea funk que você cismar em fazer. Atentem-se para os vocais e backing vocais. De arrepiar!!! Com “Hit It And Quit”, o grupo escancara com todas as notas: “Sim, Jimi Hendrix, nós te adoramos!”. Toda conduzida por uma levada “hendrixiana”, destaca-se o órgão tocado por Bernie Worrell, lembrando, em alguns momentos, Jon Lord, do Deep Purple. Outra canção primorosa. "You And Your Folks, Me And My Folks", se submete ao R&B e ao gospel, com um batidão todo pontuado por um “yeah yeah yeah” de fundo. Canção para ouvir e sacudir os ossos. A quinta canção do álbum, “Super Stupid”, caso você a ouvisse no estilo cabra-cega, tenho quase certeza que o primeiro nome a ser verbalizado seria o do Red Hot Chilli Peppers. Sim, moçada, os caras eram “fodaços”, antecipando o que 20 anos mais tarde ficaria conhecido como funk metal, tão bem executado e divulgado pelos “californianos” dos Chilli Peppers. Não à toa, a banda de Flea e cia. chamou George Clinton para produzir o álbum “Freak Styley”, de 1985. A faixa seguinte é “Back In Our Minds”, com um baixo latejante e uma percussão tresloucada que martela, martela e martela... e martela, e nem por isso cansa, muito ao contrário. Tudo se encerra com “Wars of Armagedon”, talvez a faixa mais conceitual-lisérgica-viajante, mas nem por isso menos funk, ou melhor, um funk de respeito, com seus quase 10 minutos. Enfim, o fato do álbum ser composto por sete canções extremamente singulares entre si somado à capacidade de George Clinton e seus comparsas de colocarem para caminhar em uma mesma corda o funk e o rock psicodélico, em equilíbrio perfeito, fazem de “Maggot Brain” um álbum de referência não apenas para os amantes do funk, mas do rock, do soul, do blues, do jazz, enfim, da música em geral. Isso sem contar a capa: um cara de penteado black power com a boca escancarada, como que saindo do meio da terra, conceito que se explica na narração contida na faixa título: “A mãe terra está grávida pela terceira vez, vocês todos acabam de acertá-la (...) Vou ter que me levantar ou me afogar na própria merda”. Ah, o tal cara de black power com a boca aberta é Eddie Hazel, o responsável pelos dez brilhantes minutos da faixa “Maggot Brain”.

2007-02-03T06:23:00.000-02:00

Banda: Grandaddy
Canção: Now It's On
Site: http://www.grandaddylandscape.com/

Esses pintas estranhos fazem um baita som.

Dado Meramente Explicativo (versão 1.0): Formada em 1992, em Modesto, na Califórnia, EUA, essa banda executa um maravilhoso indie rock que não te deixa indiferente de jeito nenhum.

Dado Meramente Explicativo (versão 2.0): Formada em 1992, em Modesto, na Califórnia, EUA, essa banda é composta por Jason Lytle: vocal, guitarra, teclado; Kevin Garcia: baixo; Aaron Burtch: bateria; Jim Fairchild: guitarra; Tim Dryden: teclado, e executa um maravilhoso indie-folk-space-rock, repletos de preciso barulhos estranhos (sejam vocais ou não), que não te deixam indiferente de jeito nenhum. A influência do R.E.M., Radiohead e Flaming Lips é algo nítido, o que pode significar muito coisa legal.

Dado Ruim (pessoalmente falando): Não faz tanto tempo que eu conheço o Grandaddy. Havia ouvido uma música ou outra, mas nunca me preocupei em conhecer a fundo essa banda. Fui fazer isso há alguns meses atrás. Constatei, após ouvir uma boa parte da discografia da banda, que deveria tê-lo feito antes! Perdi tempo! Perdi a oportunidade de ter tido muito mais momentos de contentamento na minha vida! Pior para mim.

Dado Péssimo (para quem não tem grana): Entre álbuns, singles, eps, splits (cds geralmente divididos por duas bandas, no qual cada banda grava duas músicas), promo cds etc, essa banda conta com mais de 60 !!! cds gravados.

Dado Excelente (para quem tem banda larga): Entre álbuns, singles, eps, splits (cds geralmente divididos por duas bandas, no qual cada banda grava duas músicas), promo cds etc, essa banda conta com mais de 60 !!! cds gravados.

Dado Patente (bendito seja o Soulseek): As duas primeiras músicas da coletânea que sugiro abaixo não são possíveis de serem encontradas em nenhum dos mais de 60 cds da banda, mas sim em uma simples fita cassete gravada e lançada em 1994. Como ter acesso a isso aqui no Brasil? E depois pedem – e exigem - para que não se compartilhem arquivos?!?!?!

Dado Desastroso de Grandes Proporções (e isso não tem remédio): a banda não existe mais. Encerrou suas atividades após gravar o álbum "Just Like The Fambly Cat", deste ano.

De quebra, fiquem com uma coletânea sugerida e o clipe da canção indicada.

2007-02-02T21:40:00.000-02:00

Banda: Cake
Canção: Rock'N'Roll Lifestyle
Site: http://www.cakemusic.com/

Banda da cidade de Sacramento, Califórnia, criada e liderada pelo vocalista John McCrea, em 1992. Contando com a formação básica, guitarra, baixo e bateria, o grupo apresenta um diferencial, ou melhor dois: primeiro é o vocalista que possui uma voz inconfundível, cantando como “um inglês com sotaque caipira dos EUA”. E o segundo é o trompete de Vince Di Fiori que percorre todas as canções do Cake, trazendo elementos do jazz moderno para as canções. A coisa funciona, e muito bem. Basta que se ouçam os 5 cds da banda para se satisfazer com o pop rock agradabilíssimo conduzido pelo Cake com músicas como “Never There” (grande sucesso do grupo) ou a versão definitiva de “I Will Survive”, de Gloria Gaynor. Se vocês não quiserem (e nem tiverem tempo para tal), segue abaixo a sugestão de uma baita coletânea da banda. Procurem, gravem e ouçam. Diversão garantida!!!

2007-02-02T13:36:00.000-02:00

Banda: Mudhoney

Canção: Where Is The Future?
Site: http://mudhoney.net/mudhoney.htm

Muita gente no Brasil que não conhecia o Mudhoney começou apenas a conhecer seu som após eles terem aberto os shows do Pearl Jam por aqui. Contudo, essa banda não deve ser considerada como coadjuvante. Surgido no berço grunge, Seattle, em 1988, o Mudhoney foi a banda que meteu o pé na porta para abri-la e mostrar a sonoridade grunge para o mundo, já que foi a primeira banda da gravadora Sub Pop a fazer sucesso. De acordo com o site dying days a primeira gravação, que foi com o produtor Jack Endino, foi a música 'Touch Me I'm Sick' que praticamente definiu o som de Seattle e hoje é considerada pelos críticos como a primeira música Grunge. O restante da história, o que veio depois, com Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains etc, a maioria sabe. (Claro que antes houve o Melvins, da terra natal do Nirvana, Aberdeen, que influenciou demais o próprio Nirvana, mas isso é assunto para outro post). Após terem errado a mão com dois discos que foram um fracasso do ponto de vista de vendas, My Brother The Cow (1995) e Tomorrow Hit Today (1998), a banda resolveu retomar a sonoridade do início da carreira, quando gravaram o excelente Every Good Boy Deserves Fudge, em 1991, seu segundo disco. Assim, em 2002, a banda gravou "Since We've Become Translucedent", procurando aquela sonoridade perdida, que parece ter sido encontrada de vez no último disco, gravado ano passado, "Under a Billion Suns", de onde vem a canção indicada. Ali, o Mudhoney está mais coeso do que nunca e parece ter recuperado o tesão de tocar, já que se pode encontrar pelo conjunto das canções de rock que o compõem uma profusão de solos, melodias e riffs. Enfim, um disco para quem curte Rock. Confira!

2007-02-02T11:09:00.000-02:00

Cantor: Sébastien Schuller
Canção: Weeping Willow
Site: http://www.sebastienschuller.com/

Em visita pelos blogs de música da vida, me deparei com a seguinte frase no blog Intervenções Sonoras “Uma excelente oportunidade de experimentar a melancolia dos Radiohead.” Radiohead? Melancolia? Fui conferir. E a dica valeu realmente. O cara vem da França e faz um som muito interessante ao longo do seu disco de estréia, Hapiness. No que se refere à canção indicada, na introdução você ouve alguns breves elementos eletrônicos (que permanecem ao longo da música) para logo na seqüência entrar a voz suave de Sébastien e mais um delicioso violão, perfeitamente misturado ao lado eletrônico da canção. Vale conferir o restante do disco. De primeira. Enquanto o cd novo do Radiohead não vem, mergulhe nesse “Hapiness”. Não haverá do que se arrepender.

E.T.: No site oficial, há como se fazer o download do clip da música sugerida. Não perca!!!

Taí a capa bacanuda do cd.

2007-02-02T10:49:00.000-02:00

Banda - Mono
Canção - The Flames Beyond the Cold Mountain
Site - http://www.age.fm/~sound/mono/

Banda de rock instrumental que vem do Japão. Fazendo um noise rock experimental, essa banda já gravou 5 cds: 2001 - Under the Pipal Tree; 2003 - One Step More and You Die; 2004 - Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined; 2004 – New York Soundtrack; 2006 – You Are There. E posso dizer com toda a certeza: é um melhor que o outro! Tudo bem que sou fã da banda, mas não há como não viajar nas sonoridades criadas pelos caras, com suas camadas e camadas de guitarra, a bateria seca e o baixo conciso. Som primoroso, daqueles para se ouvir em dias frios e que PRECISA ser conhecido por todos vocês. E.T.: Não deixem de visitar o site oficial. Um dos mais legais que vi até hoje!!!

2007-02-02T10:09:00.000-02:00

Banda - DEAD COMBO

Canção - MR. EASTWOOD

Site - http://www.deadcombo.net/

Dupla portuguesa de música instrumental, formada por Tó Trips e Pedro Gonçalves, que gravou dois cds, “Volume I”, de 2004, e “Quando a alma não é pequena”, desse ano, do qual faz parte a música indicada. Pode-se dizer que eles fazem uma mistura de fado com trilhas de filmes de velho oeste (não à toa essa canção tem o nome de um dos atores preferidos de Sergio Leone, diretor, entre outros, da clássica trilogia A Fistful of Dollars (1964), For a Few Dollars More (1965), e The Good, the Bad and the Ugly (1966). Essa curiosa sonoridade remete, por vezes, à trilha do filme Paris, Texas, de Win Winders, magistralmente composta e conduzida por Ry Cooder.